Anne-Sophie Mutter - Simply Anne-Sophie

Anne-Sophie Mutter - Simply Anne-Sophie

Classical Anthology .. Unknown Rip .. APE+CUE, no LOG .. Scans .. 392 MB .. TT: 64:29

Released: 2005 .. Label: DG .. Bonus DVD

CD

1. Vivaldi - Concerto for Violin and Strings in E, Op.8, No.1, R.269 "La Primavera" - 1. Allegro
2. Mozart - Violin Concerto No.3 in G, K.216 - 3. Rondo (Allegro)
3. Mozart - Violin Concerto No.5 in A, K.219 - 2. Adagio
4. Beethoven - Violin Romance No.2 in F major, Op.50
5. Massenet - Thaïs / Acte Deux - Meditation
6. Kreisler - Liebesleid
7. Previn - Tango Song and Dance (dedicated to Anne-Sophie Mutter) - 2. Song. Simply
8. Brahms - Hungarian Dance No.6 in D flat - transc. for Violin and Piano by Joseph Joachim
9. Gershwin - Porgy and Bess - Summertime
10. de Sarasate - Carmen Fantasy, Op.25 - Introduction. Allegro moderato
11. de Sarasate - Carmen Fantasy, Op.25 - 1. Moderato
12. de Sarasate - Carmen Fantasy, Op.25 - 2. Lento assai
13. de Sarasate - Carmen Fantasy, Op.25 - 3. Allegro moderato
14. de Sarasate - Carmen Fantasy, Op.25 - 4. Moderato


BONUS DVD

* Vivaldi: The Four Seasons TV Spot
* Mozart: Rondeau. Allegro from Violin Concerto no. 3
* Beethoven: Violin Concerto
* Previn: Song
* Picture gallery & Discography

Anne-Sophie-Mutter
Lambert Orkis
André Previn
Trondheim Soloists
London Philharmonic Orchestra
New York Philharmonic
Wiener Philharmoniker

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Muchas gracias a todos.

KARL

Gergiev, LSO: Mahler - Sinfonía № 8

Gergiev, LSO: Mahler - Symphony №8 (FLAC)

Performer: Viktoria Yastrebova, Ailish Tynan, Lydumila Dudinova, Lilli Paasikivi, Zlata Bulycheva / Orchestra: London Symphony Orchestra /  Conductor: Valery Gergiev /  Composer: Gustav Mahler / Audio CD (April 14, 2009) / Number of Discs: 1 /  Format: FLAC (tracks+cue) /  Label: Lso Live / Size: 307 MB / Recovery: +3% / Scan: yes / uploadstation

CD:

01. Part 1. Hymnus: Veni, creator spiritus. 1. Veni, creator spiritus
02. Part 1. Hymnus: Veni, creator spiritus. 2. Imple superna gratia
03. Part 1. Hymnus: Veni, creator spiritus. 3. Infirma nostri corporis
04. Part 1. Hymnus: Veni, creator spiritus. 4. Accende lumen sensibus
05. Part 1. Hymnus: Veni, creator spiritus. 5. Veni, creator spiritus
06. Part 1. Hymnus: Veni, creator spiritus. 6. Gloria Patri Domino
07. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 1. Poco adagio
08. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 2. Ewiger Wonnerbrand
09. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 3. Wie Felsenabgrund mir zu Füßen
10. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 4. Gerettet ist das edle Glied
11. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 5. Uns bleibt ein Erdenrest
12. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 6. Höchste Herrscherin der Welt!
13. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 7. Dir, der Unberührbaren
14. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 8. Bei der Liebe, die den Füßen
15. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 9. Neige, neige, du Ohnegleiche
16. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 10. Komm! Hebe dich zu höhern Sphären!
17. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 11. Blikket auf
18. Part 2. Final Scene from Goethe’s Faust. 12. Alles Vergängliche

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MAHLER

El de las ideologías medio fanatizadas, la revolución industrial, la incipiente luz eléctrica, los tranvías, la claque en el gallinero, los nubarrones nacionalistas que desquebrajaron imperios y dinastías como la austrohúngara no fue el tiempo en que podía entenderse en toda su dimensión a Gustav Mahler. La época en que Freud sentaba las bases del psicoanálisis en las tardes frías de su diván mientras Stefan Zweig se bebía la vida en los cafés de Viena sin que se le pasara por la cabeza el suicidio y Klimt anunciaba la secesión, no eligió como opción preferida de banda sonora sus sinfonías. Más bien se decantó por los títulos que el músico programaba como director en la Ópera de Viena y que no eran creaciones suyas.

El tiempo de Mahler tiene más que ver con el pánico al Apocalipsis climático y la esperanza en la ecología, con el desafío natural a la ley de Dios por la grandeza de los hombres, la posmodernidad imbricada sutilmente en una sofisticación más alejada de la austeridad de lo moderno, con la flexibilidad del ciberespacio, la multiculturalidad apátrida -él lo fue tres veces-, la libertad y el terreno para ciertas pasiones desatadas, el frío, la soledad, la intemperie del alma sin certezas, con necesidad de consuelos espirituales de fondo.

El tiempo de Mahler es más este que el siglo anterior, donde fue admirado por los rupturistas y un público fiel mayoritariamente compuesto por judíos, pero no se alcanzó con plenitud a adivinar su trascendencia, su profunda verdad.

Hace poco desbancó a Beethoven como el músico más interpretado en los auditorios. No hay director serio dedicado al repertorio sinfónico que no pase el examen de sus contraposiciones armónicas, de sus paseos por el cielo y el abismo, de su universo sonoro, sutil y lleno de matices. Todo eso y más ha conducido al crítico británico Norman Lebrecht a escribir un vibrante y brillante ensayo sobre el músico: ¿Por qué Mahler?

Pues porque turba a estadistas, gobernantes y poetas con su verdad alejada de los eufemismos, porque ha cambiado la vida de mucha gente, porque es irónico en su sensibilidad y su juego de sonoridades, porque describe el desorden del mundo, porque ha influido de manera absoluta y directa en todo el concepto contemporáneo de espectacularidad y ha abierto caminos en el jazz, el rock y las bandas sonoras -del John Williams de La guerra de las galaxias a los juegos sinfónicos de Pink Floyd y los brillantes experimentos de Uri Caine-, porque en su música se puede leer a Freud -que lo trató en vida-, a Nietzsche, a Schopenhauer, trazar paralelismos con las estelas de los narradores más revolucionarios de su época y escrutar la teoría de la relatividad, porque es subversivo y esperanzador, corpóreo, epidérmico y trascendental en un mismo compás...

Mi tiempo llegará", solía clamar cuando se sentía despreciado por críticos y directores de orquesta. Su tiempo era el futuro. Fue visto y anunciado por los radicales, a los que apoyó sin dudarlo. Arnold Schoenberg, precursor de la rompedora Escuela de Viena, decía que se aprendía más de música observando a Mahler vestirse que acudiendo a clase en cualquier conservatorio.

Elegante y magnético, nervioso y entregado, Mahler no necesitaba mucho tiempo para engalanarse. Adornaba con discreción su metro sesenta de estatura, pero cuando entraba en un café a tomarse una cerveza por la noche -uno de sus placeres-, las cabezas se tornaban. Y en las tertulias sorprendía su tono de voz: barítono cuando estaba relajado y tenor si se encontraba inquieto.

Llamaba la atención y a la vez era un misterio. ¿Era Mahler bueno?, se pregunta el autor en el libro. "Un santo", dijo Schoenberg. "Un genio y un demonio", le calificaba el director Bruno Walter. "Encontrar al verdadero Mahler es una batalla expedicionaria a través de sus contradicciones", cree Lebrecht.

¿Estaba loco? Era una pregunta muy frecuente. A menudo se lo podía encontrar uno hablando y gesticulando solo por la calle. Muchas veces se mostraba irascible y sus estados de ánimo oscilaban entre la euforia y la depresión. Freud lo llegó a tratar en una sola sesión de cuatro horas y lo consideró "un hombre genial" de quien le fascinaba, dijo, "el misterioso edificio de su personalidad". Pero amaba la vida y cuando se sentía realmente hundido, encontraba esperanza en la mera melancolía. "La tristeza es mi único consuelo", llegó a escribir. Lo demostró de manera explícita y grandiosa en su Segunda y Tercera sinfonías, en el Adagietto de la Quinta y sobre todo en la Novena y la inacabada Décima, escritas con anotaciones de desesperación vital y amorosa al margen por una profunda crisis en su relación con su esposa, Alma. Aun así, pese a su intensidad y junto a las demás, Toscanini las consideraba tediosas.

En todas ellas está Mahler, como en sus cantatas, su música de cámara o sus ciclos de canciones, desde las de los niños muertos a la de la Tierra. Ese ser desarraigado, el nómada interior y quien desde niño tuvo que enfrentarse tantas veces a la muerte y a su indiferencia, se consideraba tres veces apátrida: "Como bohemio en Austria, como austriaco entre los alemanes y como judío en todo el mundo", decía. "Anticipa los principios de la multiculturalidad. Observa su entorno como un judío en los márgenes de un imperio católico en decadencia y anticipa su desintegración", comenta Lebrecht.

Nació el 7 de julio de 1860 en Kalischt, aunque ese mismo año sus padres se trasladan a Iglau, hoy Jihlava, perteneciente a Bohemia. Hijo de unos taberneros, pasó la infancia traumatizado por la muerte de muchos de sus hermanos. Es un tema presente en su Primera sinfonía, 'Titán', en la que incorpora una marcha fúnebre irónica por medio de la que trata de expresar lo que siente al ver salir hacia el cementerio los cadáveres de los niños ante la indiferencia de los borrachos.

Pero su hábitat vital más intenso será Viena. Allí se convirtió en una celebridad. Allí estudió y sufrió el desprecio por su condición de judío -se sintió sucio y asqueado de sí mismo al verse obligado a convertirse al catolicismo para prosperar en su carrera- y la admiración del público por su obsesión perfeccionista como director de orquesta, una manera de trabajar que marcó época por el rigor y la entrega sin tapujos al arte.

En la Viena de la década de los setenta, adoptó como padrino a Anton Bruckner, a quien pasaba por alto sus comentarios antisemitas por el gusto de disfrutarle como mentor. En aquellos tiempos, la actitud contra los judíos era tan natural como inconscientemente poco amenazante. Así que Mahler llegó a idolatrar a Wagner al tiempo que se hacía vegetariano. Se obsesiona con el ejercicio físico y en el poco tiempo libre que le resta se dedica a componer encerrado en una cabaña junto a un lago o en sus casas de campo, a menudo acompañado de las mujeres que más amó: primero la violinista Natalie Bauer-Lechner y después Alma Maria Schindler, con quien se casó en 1902 y mantuvo una relación que ha inspirado novelas, películas y tratados amorosos.

Entre la pasión desatada -"cuando te acercas a él, te quemas", confesaba Alma en sus diarios-, la traición -le engañó con el arquitecto y diseñador prusiano Walter Gropius, entre otros, con quien acabaría casándose-, la muerte de una hija y los problemas de salud, Gustav y Alma han pasado a la historia como dos protagonistas amantes a quien su experiencia nutrió y devastó a partes iguales. Tanto que cambió la historia de la música. Ella fue musa e inspiración para crear una Décima sinfonía que se construye sobre una disonancia de nueve notas, no regida por ninguna ley armónica anterior. Schoenberg y Alban Berg lo incorporan a su ideario de catarsis como una religión.

u huella como director de orquesta es fundamental. Crea escuela allá donde va: en Leipzig -como segundo de Arthur Nikisch-, en Hamburgo, en Budapest y en Nueva York, donde dirigió en el Metropolitan, adonde llegó como un profeta -eso sí, muy bien pagado, "cinco veces más que en Viena", especifica Lebrecht- y acabó realmente enfermo por los disgustos que mermaban su libertad creativa. Pero sobre todo, su carrera como director despunta en la capital del imperio. No así cuando dirige sus propias obras, que son contestadas, controvertidas, despreciadas aunque aclamadas por minorías que luego serán crecientes. "Mahler, en esa doble vertiente, define el papel del director como un recompositor. Por eso es posible entender la enorme diferencia que existe entre las versiones de Abbado o Dudamel, por ejemplo", dice Lebrecht. Tanta también que un Adagietto de la Quinta puede durar entre 7 y 14 minutos, dependiendo de quien coja la batuta.

Son los directores, una vez muerto, quienes le encumbran a su dimensión crucial en la historia de todas las artes. Le cuesta ser reconocido y lo logrará en vida, pero no con la trascendencia que lo es hoy. Su legado crece a partir de la Segunda Guerra Mundial. Sobre todo gracias a Bruno Walter, Leonard Bernstein, Bernard Haitink y después Claudio Abbado, Pierre Boulez, Simon Rattle o Ricardo Chailly, entre otros. Hoy, la prueba Mahler es el certificado por el cual debe pasar cualquier gran orquesta o director. El examen final, un digno termómetro de la más pura sensibilidad del público contemporáneo.

La forma sinfónica acaba y empieza de nuevo en él. "Muere como forma clásica en los inicios de su Primera sinfonía. Era un outsider y un subversivo. A los 27 años ya plantea que pueden tener más de cuatro movimientos y comenzar sin un tema definido. Le dijo a Sibelius: "La sinfonía es como el mundo. Debe abarcarlo todo", cuenta el crítico británico. Justo como trataban de hacer en ese mismo tiempo Marcel Proust, Thomas Mann, Tolstói o Joyce con la novela.

Como todos ellos, fue difícil entenderlo en su tiempo y este, en vida, fue relativamente corto. Apenas cumplió 51 años. Su enfermedad coronaria, una endocarditis irreversible, se manifestó en Estados Unidos. La misma Alma culpó a las tensiones que sufrió en la Filarmónica de Nueva York. "En Viena era todo poderoso, allí tenía a 10 señoras diciéndole lo que tenía que hacer".

El mal era intratable. Quiso morir en Viena. Alma permaneció a su lado, lo mismo que por los jardines del sanatorio le aguardaban Alban Berg, Schoenberg -"¿qué será de él si yo me muero? No tendrá a nadie", le confesó preocupado a su esposa en los últimos días-, también Gustav Klimt, Arthur Schnitzler...

Inmerso en su agonía, Alma le escuchó decir: "Mozart". Había dejado instrucciones de que en su lápida del cementerio de Grinzing solo se leyera: Mahler. "El que venga a verme sabrá quien fui. El resto no necesita enterarse".

******* ( 1)

¿Por qué Mahler? Cómo un hombre y diez sinfonías cambiaron el mundo. Norman Lebrecht. Traducción de Barbara Ellen Zitman Ross. Alianza Música. Madrid, 2011. + REPORTAJE: EN PORTADA - REPORTAJE : Mahler Vive / Art. de: EL PAIS : J. R. Mantilla 30/04/2011

Muchas gracias a todos.

KARL.

Bach Violin Concertos & Gubaidulina ‘In Tempus Praesens'

Bach Violin Concertos & Gubaidulina ‘In Tempus Praesens' (1 CD, FLAC)

 Anne-Sophie Mutter, Trondheim Soloists / Orchestra: London Symphony Orchestra /  Valery Gergiev / Composer: Johann Sebastian Bach, Sofia Gubaidulina / Audio CD (October 7, 2008) / Number of Discs: 1 

CD:

01. Violin Concerto No.1 in A minor, BWV 1041 – 1. (Allegro moderato)
02. Violin Concerto No.1 in A minor, BWV 1041 – 2. Andante 6:41
03. Violin Concerto No.1 in A minor, BWV 1041 – 3. Allegro assai
04. Violin Concerto No.2 in E, BWV 1042 – 1. Allegro
05. Violin Concerto No.2 in E, BWV 1042 – 2. Adagio
06. Violin Concerto No.2 in E, BWV 1042 – 3. Allegro assai
07. In tempus praesens (Concerto for Violin and Orchestra)

In Tempus Praesens

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Han pasado más de 20 años desde que la Sra. Mutterhabía registrado los dos conciertos para Bach y ahora se demuestra claramente su actitud cambio y "nuevas ideas". Asi mismo, ha pasado casi una década desde que la Sra. Mutter registró el  anunciado Vivaldi: Las cuatro estaciones / Tartini: El Trino del Diablo con los Solistas de Trondheim , sobre la base de gira con ellos antes de esta grabación, produce una cohesión de sonido maravillosamente y la interacción en ambas piezas de Bach. Las 'piezas de resistencia' de Violín Concerto No. 1 en La menor son la belleza  con el Andante y los movimientos Allegro assai. Del mismo modo, el Adagio y Allegro assai del n º 2 son de excepcional esplendor. El rendimiento de densidad e intensidad Sra. Gubaidulina de 32 minutos "En Praesens tempus" (en la actualidad) se está disparando y emocionalmente influye en que refleja tanto la Rusia de su pasado y nuestras inseguridades de hoy en día en su concierto sin el convencional "héroe" (solista ). El ardiente arco  de la Sra. Mutter produce un trabajo intenso , incandescente belleza y de fuerza. Los cinco movimientos se realizan en una sola pieza continua apasionada. Anne-Sophie Mutter, el maestro Gergiev y la Orquesta Sinfónica de Londres, utilizando la instrumentación inusual, dar a esta magnífica obra  la grandeza  que se merece. Este es un CD de las actuaciones destacadas de las grandes obras. Felicitaciones a todos los interesados. Mi recomendación más alta. Cinco Estrellas IMPRESIONANTE !!!!

Sofia Gubaidulina

Muchas gracias a todos.

KARL.

Jorge Bolet: Liszt – Piano Works (9 CD)

Jorge Bolet: Liszt – Piano Works (9 CD)

/ Performer: Jorge Bolet/ Orchestra: London Philharmonic Orchestra, London Symphony Orchestra / Conductor: Georg Solti, Ivan Fischer / Composer: Franz Liszt / Audio CD (October 9, 2001) / Number of Discs: 9 CD box set / Format: APE (image+cue) / Label: Decca / Size: 1.59 GB / Recovery: +3% / Scan: no

Disc 1
01. Hungarian Rhapsody No.12
02. Liebestraum No.3
03. Mephisto Waltz No.1
04. Funerailles
05. Rigoletto (Verdi) – Concert Paraphrase
06. La Campanella (1851)

Disc 2
01. Schubert Song Transcriptions – 1
02. Schubert Song Transcriptions – 2
03. Schubert Song Transcriptions – 3
04. Schubert Song Transcriptions – 4
05. Schubert Song Transcriptions – 5
06. Schubert Song Transcriptions – 6
07. Schubert Song Transcriptions – 7
08. Schubert Song Transcriptions – 8
09. Schubert Song Transcriptions – 9
10. Schubert Song Transcriptions – 10
11. Schubert Song Transcriptions – 11
12. Schubert Song Transcriptions – 12
13. Wanderer Fantasie – 1
14. Wanderer Fantasie – 2
15. Wanderer Fantasie – 3
16. Wanderer Fantasie – 4

Disc 3
01. Sonata in B minor – Lento Assai
02. Sonata in B minor – Andante sostenuto
03. Sonata in B minor – Fugato
04. Valse impromptu
05. Liebestraume – 3 Nocturnes – No 1 in A flat Major
06. Liebestraume – 3 Nocturnes – No 2 in E flat Major
07. Liebestraume – 3 Nocturnes – No 3 in A flat Major
08. Grand galop chromatique

Disc 4
01. Sposalizio
02. Il Penseroso
03. Canzonetta del Salvator Rosa
04. Sonetto 47 del Petrarca
05. Sonetto 104 del Petrarca
06. Sonetto 123 del Petrarca
07. Apres une lecture du Dante (Fantasia quasi Sonata)

Disc 5
01. Chapelle de Guillaume Tell
02. Au lac de Wallenstadt
03. Pastorale
04. Au bord d’une source
05. Orage
06. Vallee d’Obermann
07. Eglogue (Hirtengesang)
08. Le mal du pays
09. Les cloches de Geneve

Disc 6
01. Venezia e Napoli – Gondoliera
02. Venezia e Napoli – Canzone
03. Venezia e Napoli – Tarantella
04. Les jeux d’eau a la Villa d’Este
05. Benediction de Dieu dans la solitude
06. Ballade no.2 in B minor

Disc 7
01. Preludio : Presto
02. Molto vivace
03. Paysage : Poco adagio
04. Mazeppa : Allegro
05. Feux follets : Allegretto
06. Vision : Lento
07. Eroica : Allegro
08. Wilde Jagd : Presto furioso
09. Ricordanza : Andantino
10. Allegro agitato molto
11. Harmonies du soir : Andantino
12. Chasse neige : Andante con moto

Disc 8
01. Two Concert Studies S.145 : Waldesrauschen
02. Gnomenreigen
03. Three Concert Studies S.144 : Il lamento
04. La leggierezza
05. Un sospiro
06. Consolations S.172: n.1 Andante con moto
07. n.2 Un poco piu mosso
08. n.3 Lento placido
09. n.3 Quasi adagio
10. n.5 Andantino
11. n.6 Allegretto sempre cantabile
12. Reminiscences de Don Juan, S.418

Disc 9
01. Reminiscences de Norma
02. Totentanz
03. Malediction
04. Fantasia on Hungarian Folk Themes

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CD 1 / CD 2 / CD 3 / CD 4 / CD 5 / CD 6 / CD 7 / CD 8 / CD 9

El folleto de esta serie tiene una interesante explicación de por qué Jorge Bolet se mantuvo fuera de los reflectores durante tanto tiempo antes de su entrada gloriosa de su carrera. Fue su devoción a Liszt. Para entonces, en la década de 1950, Liszt era considerado todavía como un B-compositor (Todavía hay personas que tienden a pensar así: he leído a alguien que llama Liszt `el padre de todos los pianistas de bar" . Sólo después de que la reputación de Liszt había aumentado, Bolet podría entrar en su 'veranillo de San Martín ", que duró desde 1975 hasta su fallecimiento en 1990. Durante este período, pudo finalmente realizar su música favorita tanto como le pudo ser posible . Este conjunto de 9 discos puede ser de hecho el testimonio más importante de Bolet. Además, es una de las colecciones más importantes de Liszt en el mercado. Pero cuidado: hay mucho más que Bolet, teniendo en cuenta las obras de piano de Liszt. No puedo decir que este es el sistema perfecto o cerca de el. Sin embargo cinco estrellas, para algunos que nos sorprenden  tocando el piano y que no nos encontramos muy a menudo hoy en día. 

Bolet ganó un premio Gramophone por su libro primero de Années de Pèlerinage, que no es extraño al escuchar las grabaciones. Este es un retrato de un hombre , en busca de su alma vagando a través de la hermosa Suiza - No puedo decirlo mejor porque  B. Johnson ya lo hizo. Es una tontería para algunos lo romántico, por supuesto, pero en días de Liszt que era una idea generalizada, y puede todavía impresionar. superiores timbres Bolet - hermosa, pero no demasiado lejos impulsado por el riesgo que casi sería demasiado intimidante - y su carácter pacífico levanta esta música a las mayores alturas. Mi única queja sería la pieza "Orage": técnica de Bolet, no lo puedo manejar, y su naturaleza agresiva es mucho menos abrumadora como resultado. Sin embargo, el resto de las piezas  le muestran en su mejor momento. Así lo hace el segundo año de la Années (que es extrañamente colocado en el conjunto del año anterior por primera vez por Decca). La Sonata Dante, una de las mayores obras de Liszt..... 

Igualmente excelentes fueron los Transcripciones de las canciones de Schubert. Las transcripciones no son muy diferentes de las canciones originales, pero son sin duda interesantes. Sobre todo cuando alguien como Bolet los lleva en sus manos! Todas las canciones son tremendamente bien interpretadas, con destacados como "Auf dem Wasser zu singen '` Mueller, Der und der Bach "y" Erlkoenig.  Con ese toque romántico Bolet (pudo haber sido el último de su especie) permite que el flujo de la música sea interminablemente... Brillante! 

 Liszt como compositor grandilocuente, en realidad era mucho más activo en el área espiritual y lírica. Es en gran parte este tipo de Liszt que se pone en los reflectores por Bolet. Él es realmente genial cada vez que la música debe sonar tranquila y meditativa. 

Pero Liszt fue también un virtuoso impresionante. La gente lo puede evitar por eso. La Sonata en si menor y los Estudios Trascendentales, para dar algunos nombres, no sólo pianísticamente sino que también lo trabaja musicalmente de forma increíble. Eso se necesita para ser a la vez un buen técnico y un músico para interpretar bien, y aquí es donde Bolet de vez en cuando falla. Tenía más de 65 años cuando hizo estas grabaciones, y no puedo dejar de decir que su técnica no era ya lo que solía ser. En muchas piezas se puede escuchar su lucha..... 

En lo que puede ser la música más difícil Liszt escribió, los Estudios Trascendentales, Bolet se tempi que son casi demasiado fácil (por ejemplo, n º 10 debe ser «Allegro molto agitato", pero Bolet lo interpreta muy moderadamente), tal vez porque su técnica era para entonces demasiado limitado para dar a las piezas  un tratamiento realmente impresionante. 

pieza anoter traicionera es la «Reminiscencias de Don Juan, que es una transcripción de no menos de una ópera que-por supuesto-Don Giovanni! Bolet toca esta pieza de 20 minutos con mucho humor y swing: es una gran manera de limpiar tu mente! También son recomendables los Estudios de Concierto (por ejemplo, Waldesrauschen), cuya luz del espíritu está muy bien captado.

Un tesoro en conjunto global, lo puedo recomendar sin ninguna limitación. No hay otro compositor que adapta Bolet, así como Liszt, y vice versa el puede ser cierto también. Pero el pianista también tiene sus puntos débiles, en particular con respecto a su técnica, que no era lo que solía ser. Ah, y el sonido del piano no siempre es igual de contundente: el instrumento suena un poco estridente a veces. Pero hay una increíble cantidad de color en el instrumento, y permite a Bolet un reachfor más profundo, son las sonoridades más oscuras que he oído. Esta colección es por tanto, no sólo el mejor Liszt: hay muchos pianistas más que hicieron grabaciones supremas de él (por ejemplo, Arrau, Brendel, Richter) y que definitivamente les recomiendo  buscar  también. Después de haber oído esto! OK?

Jorge Bolez

Aristócrata del teclado", "gran señor", "pianista de maneras joviales de gran propietario o señor feudal", son unas de las tantas descripciones que le proporcionaron su elegancia y prestancia a la hora de tocar el piano. En concierto, daba la impresión de tocar con calma, reflexionado y con una autoridad soberana. Jorge Bolet no era de esos pianistas que al interpretar, buscan a todo precio demostrar la escritura musical, desvelar sus secretos a pleno día o remontar a la superficie todas las voces de las capas profundas del gran tejido musical. Bolet estaba más apegado a la redondez del timbre y a la facultad de modulación del sonido, a la vez que buscaba con frecuencia, poner en evidencia las estructuras de la composición musical y elaborar vastas curbas con el fin de desarrollar un conjunto coherente.

Nacido en La Habana el 15 de noviembre de 1914 y fallecido en Mountain View, California el 16 de octubre de 1990, Jorge Bolet supo bridar un arte de gran virtuoso, arte que como él mismo decía, no era forzosamente siempre mantenido en el respeto incondicional de las notas musicales, pero que debía más bien tocar el corazón y el alma del artista y su público. Actitud tal vez forjada por una larga y brillante carrera que tuvo sus comienzos con las lecciones de piano que le proporcionaba su hermana mayor a la edad de siete años. Sus primeros pasos en la escena los realizó con el Concierto en ré menor de Mozart, acompañado por la Orquesta Sinfónica de La Habana a la edad de doce años.

Entre 1927 y 1934 realiza estudios con David Saperton en el Curtis Institute de Filadelfia y al final de sus estudios parte hacia Europa para ofrecer recitales en La Haya, Viena, Londres, Madrid, Berlín y París. A su regreso de esta gira en 1936, se convierte en el asistente del gran pianista y pedagogo Rudolf Serkin en el mismo Curtis Institute.

De Bolet se solía decir que interpretaba Liszt "con los dedos de un Horowitz y la sonoridad de un Lhévinne"; y sus interpretaciones de las grandiosas transcripciones de Liszt fueron muy célebres.

Jorge Bolet estuvo fuertemente ligado a la gran tradición del piano romántico del cual él se decía legatario. Cierta vez, un periodista le interrogaba sobre sus modelos pianísticos a lo que éste citó en primera instancia a Josef Hofmann y Sergei Rachmaninoff: "En realidad -decía Bolet- los he amado y admirado a todos, pero en materia de interpretación, yo sólo he querido acercarme más a Rachmaninoff." Esta pasión por el pianista y compositor ruso lo llevó a grabar en 1984, una serie de programas televisivos, especie de masterclass, en que Bolet interpretaba el célebre Concierto para piano y orquesta n° 3 en ré menor Op. 30 de Rachmaninoff.

ste virtuoso cubano se hizo imponer en toda Europa y en el mundo entero por sus magistrales interpretaciones de Liszt llegando a ser considerado como un "Lisztiano por excelencia o un Lisztiano predestinado". En concierto, sus interpretaciones eran dominadas por una atmósfera que no encontramos en los discos; al mismo tiempo que sus grabaciones reflejan un toque mucho más disciplinado, más controlado que en sus conciertos, donde, al decir de él mismo, se sentía más libre y buscaba una mayor espontaneidad en el modelado musical. No veía Bolet por lo demas, ninguna incompatibilidad entre el rigor de la disciplina y un toque relajado. Pero algunos le reprocharon a veces el dejarse embriagar por la velocidad, al punto de no hacer justicia a la idea poética de Liszt, de perderla de vista y de sumirse en un virtuosismo concebido como un fin en sí mismo.

**** Extr de Memoradum Vitae , por Javier Castromori. 

Ivan Fischer

George Solti

El eminente director de orquesta Georg (en realidad, su verdadero nombre era György) Solti nació el 21 de Octubre de 1912 en Budapest, Hungría. Comenzó a estudiar piano y composición con Ernst von Dohnanyi, Zoltan Kodaly y Béla Bartók en la Academia Franz Liszt en Budapest, dando su primer concierto a los 12 años.

En 1930 comenzó a trabajar como asistente en el Opera de Budapest, y de 1934 a 1939 fue director de música en mismo establecimiento. En los veranos de 1936 y 1937 fue asistente de Arturo Toscanini en el Festival de Salzburgo, un encuentro que lo dejó profundamente impresionado.

Luego del estallido de la Segunda Guerra Mundial, emigró a Zurich, reanudando su carrera de pianista. En el año 1942 ganó su primer premio en la Competición Internacional de Ginebra. La carrera de Georg Solti comenzó realmente luego de la Segunda Guerra Mundial. Durante casi 25 años, se concentró exclusivamente en la dirección de óperas. Fue director principal del Opera de Munich entre 1974 y 1951, y del Opera de Frankfurt de 1952 a 1961. El Covent Garden se vio inmensamente beneficiado gracias a su contrato con Georg como director de música (1961-1971).

El director realizó un gran número de primeras presentaciones, incluyendo trabajos de Gilbert Amy, por ejemplo "D’un espace deployé" en 1973, el Réquiem de 1959 y Collage para orquesta de 1968 de Boris Blacher.

Ademas estrenó Final Alice (de 1976) de David Del Tredici, Sinfonía Filadelfia (de 1961) de Gottfried von Einem, Heliogabalus Imperator (de 1972) de Hans Werner Henze, L’Ecole des femmes (la segunda versión que data de 1957) de Rolf Libermann, Sinfonía No. 3 de 1989 de Witold Lutoslawski, Sinfonía No. 5 de 1986 de George Rochberg y Noomena de 1976 de Iannis Xenakis.

Este distinguido director falleció el 5 de Septiembre de 1977 en Antibes, Francia

**** Extr de Piano RED 

Muchas gracias a todos.

KARL.

Anne-Sophie Mutter plays Dutilleux, Bartok, Stravinsky

Anne-Sophie Mutter plays Dutilleux, Bartok, Stravinsky (APE) / Audio CD (March 8, 2005) / Number of Discs: 1/ Label: Deutsche Grammophon /Size: 294 MB / Recovery: +3% / Orchestra: Orchestra Nationale de France, Boston Symphony Orchestra, London Philharmonia Orchestra / Conductor: Kurt Masur, Seiji Ozawa, Paul Sacher / Composer: Henri Dutilleux, Bela Bartok, Igor Stravinsky / Scan: yes

CD:
 Sur le même accord, nocturne for violin & orchestra
Composed by Henri Dutilleux
Performed by Orchestre National de France
with Anne-Sophie Mutter
Conducted by Kurt Masur

 Violin Concerto (No. 2) in B minor, Sz. 112, BB 117
Composed by Bela Bartok
Performed by Boston Symphony Orchestra
with Anne-Sophie Mutter
Conducted by Seiji Ozawa

 Violin Concerto in D major
Composed by Igor Stravinsky
Performed by London Philharmonia Orchestra
with Anne-Sophie Mutter
Conducted by Paul Sacher

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Kurt Masur

Kurt Masur es bien conocido por orquestas y público por igual ya que es un conductor distinguido y humanista. En septiembre de 2002, el Sr. Masur se convirtió en director musical de la Orchestre National de France en París. Efectiva con el inicio de la temporada 2008/2009 que asumirá el cargo de Director Honorario de Música de por Vida de la Orquesta Nacional de Francia  para asegurar su cierre y la participación activa con esta orquesta durante muchos años . Desde septiembre de 2000-2007 fue Director Principal de la Filarmónica de Londres. De 1991-2002 fue Director Musical de la Filarmónica de Nueva York, después de su tenencia de once años fue nombrado Director Musical Emérito ,convirtiéndose en el primer director musical de Nueva York Philharmonic a recibir ese título, y el segundo (después de finales de los años Leonard Bernstein, quien fue nombrado Director Laureado ) teniendo una posición de honor.

Seiji Ozawa

(Shenyang, 1935) Músico y director de orquesta japonés de origen chino. Desde muy niño comenzó a estudiar música y se graduó en la Escuela de Música Toho de Tokio. La fama le llegó al ganar en 1959 el Concurso Internacional de Directores de Orquesta celebrado en Besançon (Francia), con lo que llamó la atención del entonces director de la Sinfónica de Boston, Charles Munch, quien le invitó a trasladarse al Tanglewood Music Center para ampliar su formación.

De allí pasó a Berlín, bajo la tutela de Herbert von Karajan, momento en el que Leonard Bernstein se interesó por el músico japonés y le encargó la dirección de la Filarmónica de Nueva York durante la temporada 61-62, año en el que se consagró definitivamente al debutar con la Sinfónica de San Francisco.

En 1973 fue nombrado decimotercer director titular de la Sinfónica de Boston, considerada una de las grandes orquestas del mundo. Al frente de ésta, Ozawa ha realizado un trabajo excepcional, no sólo en lo que se refiere a la grabación de discos, sino en el ingente número de conciertos que ofrece anualmente por todo el mundo, puesto que su actividad no se ha limitado a los Estados Unidos, sino que se extiende por Sudamérica, Europa, China y Japón.

En 1993 se cumplieron los veinte años al frente de la orquesta, aniversario celebrado con una gira europea que cosechó considerable éxito de crítica y público. Además, Seiji Ozawa ha dirigido en numerosas ocasiones la Filarmónica de Berlín, la Nueva Filarmónica de Japón, la Sinfónica de Londres y la Orquesta Nacional de Francia; también La Scala y la Staatsoper Wien, la Opera de París, Salzburgo y Covent Garden.

Es doctor honorario en Música por la Universidad de Massachusetts, el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra y el Wheaton College de Norton, Massachusetts, y fundador del Festival Saito Kinen en Matsumoto, que se celebró en Japón por vez primera en el 92. Tabién ha sido galardonado con el premio Emmy por la serie de televisión Evening at Symphony de la Orquesta Sinfónica de Boston. En 2002 dirigió el célebre concierto de Año Nuevo en Viena.

Paul Sacher

Paul Sacher, nacido en Basilea el 28 de abril de 1906 y muerto en la misma ciudad el 26 de mayo de 1999, fue un director de orquesta y organizador musical suizo que, convertido por vía matrimonial en capitalista multimillonario, empleó parte de su inmensa fortuna en convertirse en uno de los principales mecenas de la música clásica del siglo XX

Henri Dutilleux

 (n. Angers, Francia, 22 de enero de 1916), es uno de los compositores franceses más importantes de la segunda mitad del siglo XX, heredero de la tradición representada por Claude Debussy, Maurice Ravel y Albert Roussel, pero con un estilo propio distintivo. Aunque su producción es relativamente escasa, apenas treinta obras, su calidad y originalidad han logrado un gran reconocimiento internacional.

Bela Bartok

 (Nagyszenmiklós, hoy Sinnicolua Mare, actual Rumania, 1881-Nueva York, 1945), fue un compositor húngaro. Junto a su compatriota Zoltán Kodály, Bela Bartok es el compositor más importante que ha dado la música húngara a lo largo de su historia y una de las figuras imprescindibles en las que se fundamenta la música contemporánea.

Hijo de un maestro de la Escuela de Agricultura de Nagyszenmiklós, los siete primeros años de vida del futuro músico transcurrieron en esta pequeña localidad, hoy perteneciente a Rumania. Fallecido su padre en 1888, su infancia se desarrolló en las diversas poblaciones húngaras a las que su madre, institutriz, era destinada.

Aunque los primeros pasos de Bartok en el mundo de la música se decantaron hacia la interpretación pianística (en 1905 llegó a presentarse al prestigioso Concurso Rubinstein de piano, en el que fue superado por un joven Wilhelm Backhaus), pronto sus intereses se inclinaron decididamente por la composición musical. De trascendental importancia fue el descubrimiento del folclor húngaro que Bartok, junto al mencionado Kodály, estudió de manera apasionada de pueblo en pueblo y de aldea en aldea, con ayuda de un rudimentario fonógrafo y papel pautado.

Su influencia en su propia labor creadora sería determinante, hasta convertirse en la principal característica de su estilo y permitirle desvincularse de la profunda deuda con la tradición romántica anterior –en especial de la representada por autores como Liszt, Brahms y Richard Strauss– que se apreciaba en sus primeras composiciones, entre las que figura el poema sinfónico Kossuth.

Igor Stravinsky

(Oranienbaum, Rusia, 1882 - Nueva York, 1971) Compositor ruso nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense. Una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó el ballet de Stravinsky La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos.

Autor de otros dos ballets que habían causado sensación, El pájaro de fuego (la obra que lo dio a conocer internacionalmente en 1910) y Petrushka, el citado día de 1913 Stravinsky se confirmó como el jefe de filas de la nueva escuela musical. Sin embargo, él nunca se consideró un revolucionario; de manera similar a Picasso en el campo de las artes plásticas, el compositor se caracterizó siempre por transitar de un estilo a otro con absoluta facilidad, sin perder por ello su propia personalidad. El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son, a grandes rasgos, los tres períodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de este maestro, uno de los referentes incuestionables de la música del siglo XX.

Alumno de Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado fue El pájaro de fuego, obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinsky, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental.

Su rápida evolución culminó en la citada Consagración de la primavera y en otra partitura destinada al ballet, Las bodas, instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.

Su estilo experimentó entonces un giro que desconcertó a sus propios seguidores: en lugar de seguir el camino abierto por estas obras, en 1920 dio a conocer un nuevo ballet, Pulcinella, recreación, a primera vista respetuosa, de la música barroca a partir de composiciones de Giovanni Battista Pergolesi.

Comenzaba así la etapa neoclásica, caracterizada por la revisitación de los lenguajes del pasado, con homenajes a sus compositores más admirados, como Bach (Concierto en re), Tchaikovsky (El beso del hada), Haendel (Oedipus rex), Haydn (Sinfonía en do) o Mozart (La carrera del libertino) y obras tan importantes como el Octeto para instrumentos de viento, la Sinfonía de los salmos o el ballet Apollon Musagète.

En ellas Stravinsky abandonó las armonías disonantes y la brillante orquestación de sus anteriores composiciones para adoptar un estilo más severo y objetivo –el neoclasicismo, de hecho, nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del Romanticismo y el expresionismo germánicos–, estilo, sin embargo, que no excluía cierto sentido del humor en su aproximación al pasado.

Con la Sinfonía en tres movimientos y la ópera La carrera del libertino concluye esta etapa, tras la cual Stravinsky volvió a sorprender al adoptar el método dodecafónico sistematizado por su colega y rival Arnold Schönberg, aunque eso sí, a la muerte de éste. De nuevo un ballet, Agon, señaló la apertura de este nuevo período, en el que sobresalen títulos como Canticum sacrum, Threni, Monumentum pro Gesualdo y Requiem Canticles, ninguno de los cuales ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes. Fallecido en Estados Unidos, sus restos mortales fueron inhumados en Venecia.

**** Extr: de Biografias y vidas, Historia de la Música por Javier de Lucas, webs.. Sacher. Material Cd.

Muchas gracias a todos.

KARL.

Alfred Brendel - Artist's Choice Anniversary Edition (3 CD)

Alfred Brendel - Artist's Choice Anniversary Edition (3 CD) (FLAC)

Audio CD (January 11, 2011) /Original Release Date: 2011/Number of Discs: 3 CD/ Format: FLAC (image+cue) / Label: Decca/ Size: 791 MB/ Recovery: +3%

CD 01

Johann Sebastian Bach – Italian Concerto, BWV 971
01. I. [Allegro]
02. II. Andante
03. III. Presto

Johann Sebastian Bach
04. Fantasia and Fugue in A minor, BWV 904

Wolfgang Amadeus Mozart – Piano Concerto No.17, K453
05. I. Allegro
06. II. Andante
07. III. Allegretto

Franz Schubert
08. Fantasia, Op.15 D760 ‘Wanderer’

Scottish Chamber Orchestra
Sir Charles Mackerras

CD 02
Ludwig van Beethoven
Sonata No.29, Op.106 ‘Hammerklavier’
01. I. Allegro
02. II. Scherzo: Assai vivace
03. III. Adagio sostenuto, appasionato e con molto sentimento
04. IV. Largo – Allegro risoluto

6 Variations in F major, Op.34
05. Thema: Adagio
06. Variation I
07. Variation II: Allegro ma non troppo
08. Variation III: Allegretto
09. Variation IV: Tempo di Minuetto
10. Variation V: Marcia. Allegretto
11. Variation VI: Allegretto – Adagio molto

CD 03
Carl Maria von Weber – Konzertstuck for piano and orchestra, Op.79
01. I. Larghetto affettuoso – Allegro passionato -
02. II. Adagio – Tempo di Marcia – Piu mosso – Presto giojoso

Franz Liszt – Legendes, S175
03. No.1 St Francois d’Assise: la predication aux oiseaux
04. No.2 St Francois de Paule marchant sur les flots

Ferrucio Busoni
05. Toccata, Kind.287

Modest Mussorgsky – Pictutes from an Exchibition
06. Promenade
07. Gnomus
08. Promenade
09. Il vecchio castello
10. Promenade
11. Les Tuileries
12. Bydlo
13. Promenade
14. Ballet des poussins dans leurs coques
15. Samuel Goldenberg und Schmuyle
16. Promenade
17. Limoges: le marche
18. Catacombae (Sepulchrum romanum)
19. Cum mortus in lingua morta
20. La Cabane sur des pattes de poule
21. La Grande Porte de Kiev

London Symphony Orchestra
Claudio Abbado

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CD 1 / CD 2 / CD 3

Alfred Brendel

De origen austriaco-checo, el pianista Alfred Brendel vino al mundo el 5 de enero del año 1931 en la ciudad de Wiesenberg, en la ciudad de Moravia, territorio que actualmente corresponde a la Republica de Checoslovaquia.

Comienza a estudiar piano a la edad aproximada de 6 años, ya instalado con su familia en Yugoslavia. En 1948, a la edad de 17 años, realiza su debut en publico en una notable interpretación. A lo largo de su vida ejerció otras actividades relacionadas con el arte como ser la pintura, la escritura de poesías y la composición musical.

Muchas gracias a todos.

KARL.

Anne-Sophie Mutter.... TCHAIKOVSKY / KORNGOLD Violin Concertos

Tchaikovsky | Korngold · Violin Concertos
Piotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)..Erich Wolfgang Korngold (1897-1957), Wiener Philharmoniker,London Symphony Orchestra
2004 Deutsche Grammophon GmbH, Hamburg...MP3 HQ · 96 MB


CD:

Peter Ilyich Tchaikovsky (1840 - 1893)
Violin Concerto in D, Op.35
1) 1. Allegro moderato [18:26]
2) 2. Canzonetta: Andante - attacca: [6:58]
3) 3. Finale (Allegro vivacissimo) [9:30]
Anne-Sophie Mutter
Wiener Philharmoniker




Erich Wolfgang Korngold (1897 - 1957)
Violin Concerto in D major, Op.35
4) 1. Moderato nobile [8:40]
5) 2. Romance: Andante [7:58]
6) 3. Finale: Allegro assai vivace [7:08]
Anne-Sophie Mutter
London Symphony Orchestra
André Previn

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Desde hace unos años a esta parte, Anne-Sophie Mutter ha decidido volver a grabar lo que ya había grabado antes, a finales de los años 70 y durante los 80 del pasado siglo, junto con su mentor, Herbert von Karajan. Primero tocó repetir el concierto de Brahms, luego el de Beethoven, y ahora le ha llegado el turno al de Tchaikovsky. Es de agradecer que la violinista alemana se tome el detalle de que en todas estas repeticiones incluya obras que no había grabado antes, como por ejemplo la Fantasía Op.131 de Schumann o las Romanzas para violín de Beethoven. Ahora le toca el turno al Concierto de Korngold... pero vayamos por partes.

La antigua grabación de la Mutter del Concierto en Re mayor Op 35 de Tchaikovsky, también para la Deutsche Grammophon, data del verano de 1987 en el Festival de Salzburgo, junto con la Filarmónica de Viena, y Herbert von Karajan. Esta fue la última colaboración discográfica que hicieran alumna y maestro juntos. En aquella grabación la "voz cantante" la imponía un octogenario Karajan, que escogía un ritmo lento, distanciado y poético de la partitura, con ausencia total de esa negrura característica en esta obra de Tchaikovsky. La Mutter se entregaba a este cometido como una componente más. A muchos les parecerá esta antigua versión algo almibarada, y no les faltará razón, ya que en ciertos pasajes, como el inicio del primer movimiento o en la Canzonetta, hay grandes cantidades de blandura, tanto por el director como por la solista; algunos también se decepcionarán porque no hay atisbo de nada que lo haga sonar a ruso, todo es extremadamente romántico. La Mutter extraía un sonido rico, perfectamente afinado, sinuoso y con gran flexibilidad, pero se veía "constreñida" a las directrices del maestro, llegando lo mejor, claro está, en la "cadenza" del primer movimiento donde ella llega a explayarse a gusto. No era aquella una versión como primera opción, ni siquiera estaría entre las más punteras de una discografía de este concierto, pero sí es una versión a conocer, por original, aunque para muchos sea relamida. Pero ya se sabe, sobre gustos...

En la nueva versión de este concierto, la "voz cantante" la lleva la Mutter, como no podía ser menos, y a ella la vuelven a acompañar otra vez los filarmónicos vieneses y su marido, que es ahora quien lleva la batuta. También esta es una grabación en vivo. Pues bien, aquí la Mutter se puede decir que hace lo que le da la gana, ya no hay nadie que se lo impida, giros por todos lados, exageración a la hora de abordar los reguladores, cambios de "tempi", abuso de los portamentos, medias voces, donde tendrían que ir voces plenas, legatos interminables, etc. Y volvemos a lo de siempre que nos toca comentar un disco de esta sra. ¿es esto bueno, o es malo? Si nos vamos a la ortodoxia, se le tildaría de degenerada, ya que esto ni suena a ruso, ni suena a Tchaikovsky, suena a Mutter. Si nos vamos a la heterodoxia, ella sería una reina, ya que "pretende" romper con todos los cánones técnicos, ya que en cuanto a forma, véase sentido romántico, "rubato"... sigue estando todo en su sitio. 

El acompañamiento de Previn, no es el colmo de la exquisitez, ni mucho menos, pero es el único, pese a algún que otro exceso de volumen, que se cree que esto sí es Tchaikovsky. No consigue desgranar las melodías como Karajan, pero sí les da ese sonido de "raza"... que no suele ser mucho, teniendo enfrente a la Filarmónica de Viena, ya que ellos siempre se empeñan en sonar "a Viena", con todo lo que eso quiere decir. En definitiva, interpretación curiosa, como la anterior con Karajan, donde la Mutter nos da un recital de todas sus virtudes (o defectos), que no agradará a todos, pero es lo que pasa siempre que esta mujer coge el violín.

La segunda pieza en el disco, es nueva para la Mutter, en Concierto en Re mayor, Op 35 de Korngold (misma tonalidad y mismo número de opus que el de Tchaikovsky), pero no es tan nueva para Previn, que es para muchos un gran traductor de este compositor (otros tantos no lo ven así) y que ya ha llevado este concierto, contando esta interpretación, tres veces al disco. La primera de ellas fue junto a Itzhak Perlman y la Sinfónica de Pittsburg, en 1980 para EMI: es esta una versión descafeinada por parte del violinista, que siempre parece que esté tocando lo mismo y de igual modo, así que lo mismo puede sonar a Beethoven, a Glazunov o a Korngold, y con una dirección de Previn atenta, pero quizás algo "rústica".

La siguiente aproximación fue con Gil Shaham, a finales de los 90, y con la Sinfónica de Londres: es esta, para mí, la mejor versión en disco de este concierto, tanto por la exquisitez del violín, que aquí sí suena a Korngold, con esos guiños a las bandas sonoras y a la música de Mahler, como por la dirección de Previn, quien exprime al máximo los recursos de esta partitura, con un gran colorido orquestal, y cierto toque sofisticado que no le quedan nada mal.

Y ahora, claro, llega la nueva versión, y con su mujer al violín. Pues bien, la Mutter se toma muy a pecho este nuevo riesgo, y consigue resultados positivos, pero sin igualar a la anterior versión citada. Ella consigue extraer esa "alma alemana" de Korngold, con un sonido muy centroeuropeo, no suena nada a el Korngold americano, salvo por parte de la orquesta, quizás pretenda hacer trascendente este concierto, equiparándolo con Mendelssohn o Schumann, pero que pierde ese toque de frescura o de ingenuidad, a la par que también pierde ese aire sofisticado, "de película" que sí conseguía Shaham, por ejemplo. Lo mejor es, sin duda, el Andante, donde ella exprime al máximo ese aire "decadente" de esta música. La dirección de Previn, otra vez con la Sinfónica de Londres, es muy buena, qué duda cabe, pero no llega a igualarse con su anterior registro. Interpretación digna. (1****)

Erich Wolfgang Korngold

**** Extr: Rubén Florez Bande, artíc. en la revista FILOMUSICA . Y referencias de: TCHAIKOVSKY: Concierto para violín y orquesta, en Re mayor, Op. 35 

KORNGOLD: Concierto para violín y orquesta, en Re mayor, Op. 35

Muchas gracias a todos.

KARL.