viernes, 20 de enero de 2012

Claudio Monteverdi - L'Orfeo ( Gabriel Garrido) 2 CDs


Claudio Monteverdi - L'Orfeo ( Gabriel Garrido) 2 CDs

CDs:


CD 1
01 Prologo : Toccata
02 Prologo : Ritornello, La Musica : Dal Mio Permesso Amato
03 Atto I: Pastore, Coro, Ninfa : In Questo Lieto E Fortunato Giorno
04 Atto I: Coro, Pastore : Lasciate I Monti
05 Atto I: Orfeo, Euridice, Coro : Rosa Del Ciel
06 Atto I: Coro Di Ninfe E Pastori, Pastore : Vieni, Imeneo
07 Atto I: Ritornello, Coro Di Ninfe E Pastori : Alcun Non Sia Che Disperato..
08 Atto II: Sinfonia, Orfeo, Pastori : Ecco Pur Ch'a Voi Ritorno
09 Atto II: Due Pastori, Coro, Orfeo : In Questo Prato Adorno
10 Atto II: (Silvia) Messaggiera, Pastori, Orfeo : Ahi Caso Acerbo!
11 Atto II: (Silvia) Messaggiera, Pastori : In Un Fiorito Prato
12 Atto II: Orfeo : Tu Se' Morta Mia Vita, Ed Io Respiro?
13 Atto II: Coro, (Silvia) Messaggiera, Sinfonia : Ahi Caso Acerbo
14 Atto II: Due Pastori, Coro, Ritornello : Chi Ne Consola, Ahi Lassi?

CD2
01 Atto III: Sinfonia, Orfeo : Scorto Da Te Mio Nume
02 Atto III: Speranza, Orfeo : Ecco L'atra Palude
03 Atto III: Caronte, Sinfonia : O Tu Ch'innanzi
04 Atto III: Orfeo : Possente Spirto
05 Atto III: Ritornello (Arpa), Orfeo : Orfeo Son Io
06 Atto III: Orfeo, Caronte, Orfeo : Sol Tu, Nobil Dio
07 Atto III: Sinfonia, Orfeo : Ei Dorme
08 Atto III: Sinfonia, Coro Di Spiriti Infernali, Sinfonia : Nulla Impresa
09 Atto IV: Proserpina, Plutone, Spiriti, Coro : Signor Quel Infelice
10 Atto IV: Orfeo : Qual Onor Di Te Fia Degno
11 Atto IV: Orfeo, Spiriti, Euridice : O Dolcissimi Lumi
12 Atto IV: Sinfonia, Coro Di Spiriti, Sinfonia : E La Virtute Un Raggio
13 Atto V: Ritornello, Orfeo : Questi I Campi Di Tracia
14 Atto V: Sinfonia, Apollo, Orfeo : Perch'a Lo Sdegno
15 Atto V: Apollo, Orfeo : Saliam Cantando Al Cielo
16 Atto V: Ritornello, Coro, Moresca : Vanne, Orfeo, Felice E Pieno

Orfeo - Victor Torres
Euridice - Adriana Fernandez
Sulvia, Messaggiera - Gloria Banditelli
Speranza, La Musica - Maria Cristina Kiehr
Caronte - Antonio Abete
Plutone, Pastoe IV - Furio Zanasi
Proserpina, Ninfa - Roberta Invernizzi
Apollo - Maurizio Rossano
Pastore I - Gerd Turk
Pastore II - Fabian Schofrin
Pastore III, Spirito I - Giovanni Caccamo
Spirito II - Salvatore Sutera
Ensemble Elyma, con. Gabriel Garrido

Recorded at Erice (Sicilia), 18-23 july 1996

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PART 1 / PART 2






El Ensemble Elyma es un conjunto vocal e instrumental especializado en la interpretación de música renacentista y barroca. Fue fundado en Ginebra en 1981 por su director Gabriel Garrido.
Son conocidos principalmente por sus interpretaciones de la música italiana de finales del siglo XVI y principios del XVII, sobre todo del compositor Claudio Monteverdi, del que han realizado numerosas grabaciones, y por la recuperacion de obras del Barroco latinoamericano de compositores como Domenico Zipoli, Manuel de Sumaya, Juan de Araujo o Tomás de Torrejón y Velasco.
Inicialmente, el Ensemble Elyma se dio a conocer por sus interpretaciones dentro del repertorio de la flauta dulce. Posteriormente, se incorporaron al grupo nuevos integrantes, con los que abordaron un repertorio más amplio.
A lo largo de los años han obtenido numerosos premios como el Diapason d'Or, 10 de repertoire, el Choc du Monde de la Musique, etc.

Muchas gracias a todos.

KARL.


C.P.E. Bach - Flute Concertos (Machiko Takahashi - flute, Concertgebouw Chamber Orchestra, con. Roland Kieft)


C.P.E. Bach - Flute Concertos (Machiko Takahashi - flute, Concertgebouw Chamber Orchestra, con. Roland Kieft)

CD


Flute Concerto in B flat major, Wq164
(original oboe concerto)
01 I. Allegretto
02 II. Largo e mesto
03 III. Allegro moderato

Flute Concerto in D minor, Wq22
04 I. Allegro
05 II. Un poco andante
06 III. Allegro di molto

Flute Concerto in E flat major, Wq165
(original oboe concerto)
07 I. Allegro
08 II. Adagio ma non troppo
09 III. Allegro ma non troppo
Total time - 64'27

Machiko Takahashi - flute
Concertgebouw Chamber Orchestra, con. Roland Kieft
(Recorded in 1993)

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La obra de C.P.E. Bach se sitúa entre el Barroco y el Clasicismo, como principal representante del Empfindsamer Stil, movimiento musical similar al Sturm und Drang, que presenta los primeros elementos del Romanticismo. Destaca sobre todo por haber contribuido al desarrollo de la sonata en sentido moderno, siendo precursor en este punto de la obra de Haydn, Mozart y Beethoven.
Carl Philipp Emanuel dijo que en la composición y en la interpretación pianística no he tenido nunca otro profesor que mi padre (Johann Sebastián Bach); sin duda, en el hogar paterno encontró lo que otros músicos contemporáneos tuvieron que buscar afanosamente y a costa de grandes viajes y gastos.
Su obra está llena de invención, es sincera en su pensamiento y de un feliz fraseo; no obstante, resulta un poco limitada en cuanto a su expresión emocional. Probablemente sea el primer compositor eminente que usó libremente el color armónico, valorándolo por sí mismo, desde los tiempos de Orlando di Lasso, Monteverdi y Gesualdo. Representa un pionero de la obra de la Primera Escuela de Viena, de estilo clásico.
En la segunda mitad del siglo XVIII, C.P.E. Bach tuvo una gran reputación. Wolfgang Amadeus Mozart, que tuvo una estrecha relación con su joven medio hermano paterno, Johann Christian Bach, dijo de Carl Philipp: "Él es padre, nosotros somos los niños." Estudiar su obra proporcionó la mejor parte de la formación de Haydn. Tanto Haydn como Mozart adoptaron elementos de su lenguaje en sus obras instrumentales. Beethoven expresó la más cordial admiración y respeto por su genio. Esta alta consideración se debe, sobre todo, a sus sonatas para clave, que marcaron un hito en la evolución de esta forma musical. El estilo es lúcido, su expresión delicada y tierna. Destacan por su libertad y la variedad de su diseño estructural; sus composiciones para teclado están llenas de extraños contrastes, rompiendo con el rígido esquema que habían impuesto los compositores de la escuela italiana. Con ello favoreció la llegada de los grandes maestros vieneses, que llevaron la sonata a un desarrollo casi infinito.
Su nombre cayó en cierto olvido en el siglo XIX. Robert Schumann consideró que "como músico creador quedaba muy lejos de su padre"; por el contrario, Johannes Brahms le tuvo en gran estima y editó algunas de sus obras.
Ya en el siglo XX, los estudiantes interpretan con frecuencia sus Sonaten für Kenner und Liebhaber, sus oratorios Die Israeliten in der Wüste y Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu, así como varios conciertos para clavicordio, como el Concierto en Sol mayor (Wq. 3) y en Re mayor (Wq. 11).
El Concierto para flauta en re menor (Wq. 22) forma parte del repertorio habitual de los flautistas de todo el mundo, sobre todo debido a su incomparable movimiento inicial. Ha sido grabado por Jean Pierre Rampal con Pierre Boulez de director de orquesta (Harmonia Mundi, HMP 390545).
Igualmente se interpreta el Cuarteto en la menor para flauta, viola, chelo y orquesta, n.º 1, H. 537 (Wq. 93) o Siciliano, que ha sido grabado para L'Oyseau Lyre por Christopher Hogwood como director y al clave.

Muchas gracias a todos.

KAL

Alfred Schnittke - Requiem, Piano Conserto ( Valeri Polyansky )


Alfred Schnittke - Requiem, Piano Conserto ( Valeri Polyansky )

CD


Requiem from the music to Schiller's drama Don Carlos+ - 40'36
02 1. Requiem
03 2. Kyrie
Olga Sizova, Anaida Agadzhanian, Alga Tal - sopranos
04 3. Dies Irae
05 4. Tuba mirum
06 5. Rex tremendae
07 6. Recordare
08 7. Lacrymosa
Tatyana Sharova - soprano
Ludmila Kuznetsova - mezzo-soprano
09 8. Domine Jesu
10 9. Hositias
11 10. Sanctus
Tatyana Sharova - soprano
Vsevolod Grivnov - tenor
12 11. Benedictus
13 12. Agnus Dei
Ludmila Kuznetsova - mezzo-soprano
14 13. Credo
15 14. Requiem
Total time - 65'10

Igor Khudolei - piano
Russian Sate Symphonic Capella
Russian State Symphonie Orchestra
Valeri Polyansky

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Alfred Schnittke

Alfred Gárievich Schnittke (ruso: Альфре́д Га́рриевич Шни́тке) (Engels, 24 de noviembre de 1934 - Hamburgo, 3 de agosto de 1998), fue un prolífico compositor ruso, que vivió sus últimos años en Alemania. Es considerado uno de los más importantes músicos tardosoviéticos.
Hijo de alemanes del Volga, Schnittke vivió la mayor parte de su vida en la URSS exceptuando dos años en su preadolescencia en que vivió en Viena. Tras varios viajes a Europa y EE. UU., Schnittke abandonó su tierra natal en 1989. Dos años después, le era concedido uno de los galardones de la última edición de los Premios Lenin, pero Schnittke lo rechazó, renegando por completo de la vida musical soviética. Pocos meses después, la URSS se hundía.
Sin embargo, hasta comienzos de los ochenta Schnittke estuvo muy implicado en ella. Ingresó en la Unión de compositores de la URSS en 1961, se convirtió en uno de los más prominentes compositores de bandas sonoras del cine soviético y junto con Rodión Shchedrín sentó las bases de un modernismo aceptable por la política cultural soviética. Aunque hasta mediados de los ochenta su música fue vista con reticencias de la secretaría de la Unión de Compositores, sus obras se estrenaron con puntualidad, y solo el estreno de su excéntrica Sinfonía n.º1 comportó un escándalo. A los ojos de la vanguardia europea, Schnittke pronto se convirtió en el portavoz de la última generación de compositores soviéticos. Sin embargo, se llegó a producir una serie de ataques contra Schnittke a lo largo de los setenta:
En 1974 Tichon Jrennikov, secretario general de la Unión de Compositores desde el estalinismo, afirma que Schnittke carece de cualquier talento y debería dejar de componer. Días después se prohíbe una interpretación moscovita de su polémica Sinfonía n.º 1.
En 1977 la secretaría de Jrennikov hizo correr el rumor de que Schnittke había desertado.
En 1979 Pravda publica un artículo («Planificando una atrocidad») en que se condena una producción de la ópera de Chaikovski La dama de picas en la que Schnittke está implicado.
Entre las influencias de Schnittke cabe destacar a Shostakóvich, con quien mantuvo una relación próxima a lo tortuoso, así como a Prokófiev y a la vanguardia europea de la primera mitad del siglo, cuya música pudo estudiar a partir de mediados de los cincuenta. Fruto de ese estudio Schnittke pasa a componer de acuerdo con estructuras seriales, pero a partir de comienzos de los setenta simplificará su estilo, componiendo en un estilizado poliestilismo.

Muchas gracias a todos.

KARL.


Antonio Salieri - Ouvertures (con. Silvano Frontаlini)


Antonio Salieri - Ouvertures (con. Silvano Frontаlini)

CD


01 La secchia rapita
02 Les Danaides/
03 Palmira Regina di Persia
04 La fiera di Venezia
05 Axur re d'Ormus
06 La Grotta di Trofonio
07 Ouverture in Re magg.
08 Europa riconosciuta
09 Variazioni sulla Follia di Spagna
Moldavian National Symphony Orchestra, con. Silvano Frontа

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Antonio Salieri (Legnago, 18 de agosto de 1750 - Viena, 7 de mayo de 1825) fue un compositor de música sacra, clásica y ópera y director de orquesta italiano.
Pasó la mayor parte de su vida en la Corte Imperial de Viena para la que fue compositor y Maestro de capilla. Su filosofía artística se resume en el título de una de sus óperas célebres, Primero la música y luego las palabras.
Músico de gran valía y dotado de gran talento, se dedicó a la enseñanza. Salieri ha visto su nombre unido a una presunta rivalidad con Wolfgang Amadeus Mozart, rivalidad que contiene, además de acusaciones de plagio, una más grave, que es la de haber causado la muerte del compositor de Salzburgo, episodio sin ninguna base histórica y que ha sido recreado primero en un poema por el poeta Aleksandr Pushkin, en el que se inspiró el compositor Nikolai Rimski-Kórsakov para hacer una ópera de nombre Mozart y Salieri; y posteriormente por el escritor británico Peter Shaffer para escribir la obra de teatro Amadeus, llevada a la gran pantalla con éxito de público y crítica por el director de cine Miloš Forman en una película homónima que recibió 8 premios Óscar, e interpretada en su papel por el actor estadounidense F. Murray Abraham, con el que obtuvo los premios Óscar y Globo de Oro.
Durante su carrera, tuvo como alumnos a noveles músicos que lograron gran fama, como Beethoven, Schubert, Liszt, Czerny y Hummel. Entre sus pupilos estuvo incluso uno de los hijos del propio Mozart, lo que junta una vez más sus nombres.

Muchas gracias a todos.

KARL.

Tchaikovsky/Liszt - First Piano Concertos (Alice Sara Ott, piano)


Tchaikovsky/Liszt - First Piano Concertos (Alice Sara Ott, piano)

CD
Tchaikovsky Piano Concerto No.1 in B Flat Minor Op.23 
01 I. Allegro Con Spirito (20:58)
02 II. Prestissimo Tempo I (7:02)
03 III. Allegro Con Fuoco (7:03)


Liszt Piano Concerto No.1 in E Flat S.124 
04 I. Allegro Maestoso (5:55)
05 II. Allegretto Vivace (9:32)
06 III. Presto (4:24)
Total time - 54:54


Alice Sara Ott, piano
Monchner Philharmoniker, con. Thomas Hengelbrock 


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Muchas gracias a todos.

KARL

Brahms - String Quartet & Piano Quintet (2008)


Brahms - String Quartet & Piano Quintet (2008) 

CD


Piano Quintet in F minor Op.34
01 I. Allegro non troppo
02 II. Andante, un poco adagio
03 III. Scherzo: Allegro
04 IV. Poco sostenuto - Allegro non troppo - Presto non troppo

String Quartet in A minor Op.51, No.2
05 I. Allegro non troppo
06 II. Andante moderato
07 III. Quasi menuetto, moderato - Allegro vivace
08 IV. Allegro non assai

Total time - 73'21
Recorded at St George's, Brandon Hill, Bristol, on 21-24 May 2007

Stephen Hough, piano
Takacs Quartet:
Edward Dusinberre - violin I
Karoly Schranz - violin II
Geraldine Walther - viola
Andras Fejer - cello

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 La Música de Brahms


La música de Brahms parte de unas fuentes clásicas muy claras: el clasicismo vienés de Haydn, Mozart y, sobre todo, Beethoven. Por otra parte, la influencia de los primeros compositores románticos, como Franz Schubert, Robert Schumann o Felix Mendelssohn, es muy acusada. Y a medida que pasa el tiempo, cada vez va siendo más fuerte su admiración por la música de Johann Sebastián Bach. Por esto, Brahms se mantuvo fiel durante toda su vida al estilo del clasicismo romántico, sin aceptar ninguna de las novedades que provenían tanto de la escuela francesa de Hector Berlioz, como de Franz Liszt o de Richard Wagner. Además, si bien en su primera época predominan los aspectos expresivos más acusados del romanticismo, a medida que se acerca a la madurez su música se vuelve más introspectiva y más encerrada en un clasicismo muy contenido. Por este motivo, fue considerado como un compositor académico y conservador, si bien este juicio da una imagen falsa de su música. Las principales novedades de Brahms se desarrollan en el interior del propio lenguaje musical. En lo que se refiere a la armonía, y a diferencia de lo que sucede en Wagner, la originalidad de Brahms tiende a pasar desapercibida por la apariencia clásico-romántica de sus composiciones. En el caso del ritmo, son muy característicos de la música de Brahms las síncopas, los desplazamientos y la superposición de ritmos binarios y ternarios. Además, en el aspecto formal Brahms incorporó lo que se ha denominado como Variación progresiva, que consiste en una forma en continuo desarrollo orgánico, que aparece superpuesta a la estructura clásica tradicional, sin entrar en conflicto con ella pero complementándola. Todos estos aspectos hicieron que la música de Brahms influyera decisivamente en compositores del siglo XX, especialmente en Arnold Schönberg, que hizo una importante reivindicación de los aspectos más progresivos y renovadores de la música de Brahms.
Es frecuente que la música Brahms se asocie con emociones como la melancolía o la nostalgia, y también se ha dicho que su música tiene un carácter otoñal. Todo ello se ha explicado tanto por su carácter como por el hecho de que pertenezca a la última etapa del Romanticismo


****Extr: Frisch, Walter: "Brahms and the Principle of Developing Variation" (University of California Press, 1984)
 Schönberg, Arnold: "El estilo y la idea" (Taurus, Madrid, 1963): "Brahms el progresivo"
 Roberston, Alec y Stevens, Denis: "Historia general de la música" (Istmo, 1995). Tomo III: El siglo XIX
Art diversos y Geiringer, Karl (1984). Altanera. ed. Brahms. Su vida y su obra. pp. 357




Muchas gracias a todos.

KARL.

miércoles, 18 de enero de 2012

Stanford ... String Quintet No.1-Piano Quintet - Vanbrugh Quartet (2004)


Stanford ... String Quintet No.1-Piano Quintet - Vanbrugh Quartet (2004)


Sir Charles Villiers Stanford.
 String Quintet No.1-Piano Quintet...Piers Lane (piano).
Orquesta: RTE Vanbrugh Quartet.
Formato: mp3... Bit Rate: Quality (VBR) “extreme”
Tamaño: 102 MB.

CD







Muchas gracias a todos.



Beethoven - String Trios - Leopold String Trio (2010)


Beethoven - String Trios - Leopold String Trio (2010) 2 CD.

 Ludwig van Beethoven.... Marianne Thorsen (violín), Sarah-Jane Bradley (viola), Kate Gould (cello).
Orquesta: Leopold String Trios
Formato: mp3. , Bit Rate: Quality (VBR) “extreme”
Tamaño: 235 MB.
Contiene: Portada y Libreto.

CD


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PART 1 / PART 2




NOTICIA DE ACTUALIDAD SOBRE  BEETHOVEN

Aparece en Alemania una carta de Beethoven de 1823... Leer mas




« L'incident de Teplitz » par Carl Rohling (Beethoven et Goethe rencontrant la famille impériale, juillet 1812)

El encuentro en Teplice: al parecer, cuando paseaban Beethoven y Goethe por la alameda de este balneario, se encontraron a la emperatriz con su familia. El compositor siguió su paseo sin pararse a saludar. Esta imagen es una recreación posterior de Carl Rohling... Un Beethoven Orgulloso? LEER MAS






Espero que disfruten la Música de este espacio siendo no mas que un lugar de compartir... Me gustaria que hagan clic en los enlaces... siempre podremos tener una idea mas extensa de la música que elegimos y una información que nos enriquezca un poco mas...

Muchas gracias a todos...

KARL.

martes, 17 de enero de 2012

Antonio Vivaldi - The Complete Sacred Music ...King's Consort.



Antonio Vivaldi - The Complete Sacred Music (King's Consort)
EAC Rip .. APE+LOG+CUE .. Booklets & Covers (jpg) .. RAR 3.31GB
11 CD .. Classical .. 2005 .. Hyperion .. Playing Time: 12h53







CD 1

Magnificat RV610a
Lauda, Jerusalem RV609
Kyrie RV587
Credo RV591
Dixit Dominus RV594

CD 2

In furore iustissimae irae RV626
Longe mala, umbrae, terrores RV629
Clarae stellae, scintillate RV625
Canta in prato, ride in monte RV623
Filiae maestae Jerusalem RV638
Nulla in mundo pax sincera RV630

CD 3

Dixit Dominus RV59
Domine ad adiuvandum RV593
Credidi propter quod RV605
Beatus vir RV598
Beatus vir RV597

CD 4 & 5

Juditha Triumphans devicta Holofernes barbarie RV644

CD 6

In turbato mare RV627
Non in pratis aut in hortis RV641
Stabat mater RV621
O qui caeli terraeque serenitas RV631
Deus tuorum militum RV612
Confitebor tibi, Domine RV596

CD 7

Beatus vir RV795
Salve Regina RV617
Laudate Dominum RV606
In exitu Israel RV604
Nisi Dominus RV608

CD 8

Laetatus sum RV607
Laudate pueri RV601
Vestro Principi divino RV633
Jubilate, o amoeni chori RV639
Gloria in excelsis Deo RV588

CD 9

Sum in medio tempestatum RV632
Laudate pueri RV600
Cur sagittas, cur tela RV637
Sanctorum meritis RV620
Salve Regina RV616

CD 10

Laudate pueri RV602
Salve Regina RV618
Ascende laeta RV635
Gaude mater Ecclesia RV613
Vos aurae per montes RV634
Gloria Patri RV602a

CD 11

Gloria RV589
Nisi Dominus RV803
Ostro picta RV642
Giovanni Maria Ruggieri (fl c1690-1720) Gloria RV ANH. 23

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I need a few days to update links, sorry for the inconvenience


Muchas gracias a todos.

KARL

Byrd: 3 Masses by The Tallis Scholars...


Byrd: 3 Masses by The Tallis Scholars..
Gimell | no covers | 153 MB / Audio CD (August 14, 1996)

CD


1. Mass For Five Voices: Kyrie
2. Mass For Five Voices: Gloria
3. Mass For Five Voices: Credo
4. Mass For Five Voices: Sanctus & Benedictus
5. Mass For Five Voices: Agnus Dei
6. Mass for four voices: Kyrie
7. Mass for four voices: Glroia
8. Mass for four voices: Credo
9. Mass for four voices: Sanctus & Benedictus
10. Mass for four voices: Agnus Dei
11. Mass For Three Voices: Kyrie & Gloria
12. Mass for three voices: Credo
13. Mass For Three Voices: Sanctus & Benedictus
14. Mass For Three Voices: Agnus Dei
15. Ave verum corpus

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PART 1 / PART 2 / PART 3 / SCAN

Byrd se embarcó en la creación de un grandioso programa para crear música litúrgica que sirviera para todas las principales fiestas del calendario de la Iglesia Católica. El primer paso fue una creación que comprendía los tres ciclos ordinarios de la misa, publicados por Thomas East entre 1592 y 1595. Las ediciones no tienen fecha y por su apariencia, muestran signos de intentos de ocultarlas ya que la posesión de libros heterodoxos implicaba un grave peligro. Los tres trabajos contienen elementos que nos recuerdan a la tradición de las misas que se celebraban en la primera época de los Tudor junto con otros que reflejan la influencia continental en la liturgia por parte de sacerdotes extranjeros. Son obras de elevada categoría musical, comparables en calidad a las de Palestrina.
Todas los ciclos de misas emplean elementos de la primera época de los Tudor, como el mosaico de secciones semicorales alternando con secciones completas en las misas de cuatro y cinco partes, empleaba el semicoro para introducir el Gloria, el Credo y el Agnus Dei y el motivo principal que unía todos los movimientos de un ciclo. Sin embargo, los tres ciclos también incluyen Kyries, un elemento extraño en la misa del rito de Sarum.

Muchas gracias a todos.

KARL

BUXTEHUDE - Sacred Cantatas ..Purcell Quartet.. 2CD


BUXTEHUDE - Sacred Cantatas ..Purcell Quartet.. 2CD
CHANDOS | covers | 375 MB

CD


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PART 1 / PART 2





Ensemble Inglés, conjunto de instrumentos, dirigido por Catalina Mackintosh (b 1948), por lo general consta de dos violines y bajo continuo. Desde su  debut en 1984, el Cuarteto Purcell se ha consolidado como un conjunto de líderes para el desempeño de sonatas en trío barroco, sobre todo las de Purcell y Vivaldi.

Muchas gracias a todos.

KARL.

Buxtehude: Membra Jesu Nostri - Cantus Cölln.. Konrad Junghänel


Buxtehude: Membra Jesu Nostri - Cantus Cölln..  Konrad Junghänel 
HARMONIA MUNDI | covers | 181 MB


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Cantus Cölln, al frente del cual está el laudista alemán convertido en director Konrad Junghänel

Cantus Cölln, al frente del cual está el laudista alemán convertido en director Konrad Junghänel
Más allá de teorías y presupuestos se podría defender una versión desprovista de espiritualidad que atienda a los aspectos estrictamente musicales pero no una lectura que también renuncie a excitar, conmover y maravillar al oyente. La de Konrad Junghänel posee, sin embargo, el valor de quien se adentra por un camino poco transitado y se encuentra con sorpresas inesperadas

Muchas gracias a todos.

KARL


Beata Vergine Jaroussky


Beata Vergine ...Jaroussky
VIRGIN .. covers .. 179 MB

CD

01. Alessandro Grandi Salve Regina
02. Giovanni Legrenzi Ave Regina coelorum
03. Francesco Cavalli O quam suavis
04. Giovanni Antonio Rigatti Regina coeli laetare
05. Giovanni Paolo Caprioli Vulnerasti cor meum
06. Girolamo Frescobaldi Ave maris stella
07. Giovanni Felice Sances Stabat Mater dolorosa
08. Giovanni Battista Bassani Corda lingua in amore
09. Alessandro Grandi O quam tu pulchra es
10. Giovanni Battista Bassani Sonata prima
11. Alessandro Grandi O intemerata
12. Andrea Mattioli Ave Regina coelorum
13. Girolamo Casati - Sanctissima Virgo
14. Giovanni Paolo Colonna O coeli devota

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Philippe Jaroussky es un contratenor, nacido el 13 de febrero de 1978, Maisons-Laffitte, Francia.
Es sopranista y contratenor francés. Estudió violín, piano, armonía y contrapunto en el conservatorio de Versalles. En 1996, comenzó sus estudios de canto con Nicole Fallien y los continuó en el Departamento de Música Antigua del Conservatorio de París con Michel Laplenie, Kenneth Weiss y Sophie Boulin. Recibió su diploma como violinista de la Facultad de Música Antigua del Conservatorio de París.
Philippe Jaroussky actuó por primera vez en 1999 en el Festival de Royaumont. En este mismo año, intervino en el oratorio de Scarlatti Sedecia en los festivales de Royaumont y AMBRONAY con Il Seminario Musicale y Gérard Lesne (CD en Virgin Classics). Con la Grande Ecurie et la chambre du Roy, dirigida por Jean-Claude MALGOIRE, participó en la trilogía de Monteverdi (Orfeo, Il Ritorno di Ulisse y L'Incoronazione di Poppea) y en 2001 cantó el papel de Arbace en Catone in Utica de Antonio Vivaldi , así como el Nisi Dominus del compositor venciano y el Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi. En 2003, apareció como Nero en el Théâtre des Champs Elysées' en Agrippina Georg Frideric Handel.
Philippe Jaroussky colabora frecuencuentemente con Jean Tubéry y el conjunto La Fenice para los que ha grabado La Morte Delusa de Giovanni Battista Bassani y un Concert chez Mazarin (Virgin Classics). Para el conjunto Matheus, dirigido por Jean-Christophe Spinosi, ha grabado La Verità in Cimento (Opus 111) así como el papel de Ruggiero en el Orlando Furioso en una actuación en el Théâtre des Champs Elysées para el sello Naïve. Con Gabriel Garrido y el Ensemble Elyma ha grabado la L'incoronazione di Poppea y la Selva Morale e Spirituale de Monteverdi.
Se caracteriza por una técnica virtuosista de melisma para animar y obligar a la interpretación de cantatas barrocas y la ópera. Esto ha contribuido a su inusual repertorio de reactivación. Canta bien con violines de Vivaldi (y conjuntos). Recibió en 2007 el premio al mejor artista lírico francés.
Actualmente, la presentación de una serie de recitales con su propio conjunto, Artaserse, ha interpretado a Telémaco en Ulisse con René Jacobs en la Staatsoper de Berlín y a Eustazio de Rinaldo en la Vlaamse Opera dirigido por Andreas Spering.
Fue el primer considerado del disco para el sello Ambroisie con obras de Benedetto Ferrari. Ha recibido la aclamación de críticos, ganando el Diapason Découverte, recommande de Repertorio, Timbre de Platine d'Ópera Internacional, Prix de l'Academie Charles Cros, el Gran Premio del Sindicato de la crítica, etc. Su primer disco, como exclusiva para Virgin Classics, se compone de cantatas para contralto y conjunto de Antonio Vivaldi.
De acuerdo con La Terrasse, "este joven cantante, con el tono de un ángel y el virtuosismo del diablo maldito, ha entrado en el centro de atención en sólo unos pocos años como el nuevo gran talento vocal francés".

Su destacada voz presenta ciertas dificultades para clasificarla. Aunque él mismo se denomina contratenor, su voz mezcla la bravura de un hombre y la dulzura y delicadeza de una mujer. Mucha gente lo considera un sopranista (Sedecia, de Scarlatti) y, no obstante, la tesitura se acerca más a la voz de una mezzosoprano. Ha mostrado alguna vez dificultad en los graves y, a pesar de todo, sus agudos son un auténtico «festival de colores y variedades». Podríamos considerar una buena referencia de lo que fueron las voces de los castrati.



Muchas gracias a todos.

KARL.

Monteverdi - Second Vespres Santa Barbara - Christophers - The Sixteen (1988)


Monteverdi - Second Vespres Santa Barbara - Christophers - The Sixteen (1988)

Compositor: Claudio Monteverdi.
Obra: Second Vespers for the feast of Santa Barbara.
Director: Harry Christophers.
Orquesta: Choir and Orchestra The Sixteen.
Conversión: CD Audio.
Números de CD: 2
Formato: mp3.
Bit Rate: Quality (VBR) “extreme”.
Tamaño: 196 MB.
Contiene: Portada, y Libreto.



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The Sixteen es un coro británico especializado en música renacentista y barroca fundado por Harry Christophers en 1977. Son conocidos sobre todo por sus interpretaciones de polifonía de compositores ingleses.
Sus componentes proceden en su mayoría de los coros de la Universidad de Oxford y Cambridge. El coro tiene su propia orquesta llamada "The Symphony of Harmony and Invention", también denominada a veces "The Sixteen Orchestra".
Desde el año 2001, el grupo posee su propia compañía discográfica llamada Coro con la que lanzan sus nuevos discos y reeditan sus antiguas grabaciones procedentes del desaparecido sello Collins Classics.
The Sixteen aparecen regularmente en una serie de televisión de la BBC llamada Sacred Music

Muchas gracias a todos.

KARL.

sábado, 14 de enero de 2012

Bach - Flute Sonatas - Beznosiuk (2011)


Bach - Flute Sonatas - Beznosiuk (2011) 

Johann Sebastian Bach....The Complete Flute Sonatas.
 Lisa Beznosiuk (flauta).... 2011....CD Audio.
 CD: 2, Format: mp3...Bit Rate: Quality (VBR) “extreme”.
194 MB...Contiene: Portada y Libreto.





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FLAUTA


Las flautas dulces existen desde hace milenios. Es difícil determinar cuándo apareció el antecesor de nuestra flauta travesera moderna, pero es seguro que los dos tipos han existido desde siempre en todos los pueblos. Por tanto, podemos afirmar que es un instrumento universal.

La flauta - sea dulce o travesera -, es un instrumento de viento por excelencia como lo indica su nombre, el cual proviene etimológicamente del latín “flatus” (aliento, viento, soplar). Al igual que en el resto de los instrumentos aerófonos, el sonido se produce al poner en vibración una columna de aire. Según el volumen de aire que vibre, la flauta producirá un sonido más agudo o más grave. El mecanismo mediante el cual se regula la longitud de la columna de aire en vibración puede ser de llaves o manual.......LEER MÁS



Si bien Bach utiliza la flauta de pico (en el Cuarto Concierto de Brandemburgo, especialmente), muestra una evidente predilección por la flauta travesera, llamada "flauta alemana", instrumento elegíaco y pastoril que alcanzó su verdadero apogeo en el siglo XVIII en Francia (con Michel Blavet, por ejemplo) y en Alemania (con Quantz o el rey Federico II de Prusia).

A Bach le gustaba la flauta. Para convencerse de ello basta escuchar las admirables páginas que confió al instrumento en su música concertante y en su música sacra: Quinto Concierto de Brandemburgo, Suite en Si menor para flauta y orquesta, Sinfonías y Arias de Cantatas y de Pasiones, y el magnífico Qui tollis de la Misa en Si menor, donde las florituras de las flautas hacen destacar, por contraste, la sonoridad recogida del coro.

La mayor parte de las páginas dedicadas por Bach a la flauta son nacidas probablemente entre 1715 y 1725, es decir, entre el final de la estancia en Weimar y el principio de la de Leipzig. Mientras, Bach había entrado en la corte de Köthen como maestro de capilla y director de cámara del príncipe Leopold, gran amante de la música y músico él mismo. En Köthen, Bach se encontró una orquesta bien formada y se admite de buen grado que fue para los músicos de esta orquesta para quienes compuso buena parte de su música de cámara.

La música camerística para flauta de Bach es abundante: cuatro Sonatas para flauta y clave obligado (BWV 1020, 1030, 1031, 1032), tres Sonatas para flauta y bajo continuo (BWV 1033, 1034, 1035), una Sonata para dos flautas y continuo (BWV 1039) y una Partita para flauta sola (BWV 1013), a las que se puede añadir una Sonata para flauta, violín y continuo (BWV 1038). La autenticidad de alguna de estas obras es hoy día puesta en entredicho. Las no acreditadas han sido atribuidas bien a C.Ph. Emanuel Bach o a discípulos del maestro de Köthen.

La Sonata en Mi b mayor BWV 1031 para flauta y clave obligado, no auténtica y por tanto excluida de la Neue-Bach-Ausgabe, presenta un atrayente misterio. Marshall considera que se atribuyó durante un tiempo a C.Ph. E. Bach o a Christian Friedrich Penzel. Su estilo notablemente galante puede hacer pensar que se compusiera en la década de 1730, período de tiempo en el que se cree que J.S. Bach estuvo fascinado por el «estilo moderno», particularmente asociado con la corte de Dresde.
 
Esta Sonata, tiene un curioso paralelismo con otra sonata en el mismo tono, poco usual y difícil para el traverso barroco de una llave. Es la Sonata de J.J. Quantz, quien trabajó, primero como oboísta y luego como flautista, entre 1718 y 1741 en la corte de Dresde. La Sonata tiene el número de catálogo Qv 2:18 en el «Horst Augsbach´s Thematic Catalogue tríos...», correspondiente a una obra para trío de flauta, violín y continuo.
 
El marcado estilo galante, la temática y las numerosas afinidades estructurales entre este Trío y la Sonata BWV 1031, sugiere dos posibilidades principales; que Quantz escribiera las dos obras tomando una como referencia de la otra, o que J.S. Bach, su hijo o un alumno fuera el autor de la BWV 1031, basándose en la Sonata del famoso flautista.
 
Las semejanzas entre ambas Sonatas revelan indiscutiblemente un origen común lo que hace pensar que no puede tratarse de una simple coincidencia.

**** Extr: de Audición y Apreciación Musical. Art. de: J. R, Tapla

Muchas gracias a todos.

KARL.

Mozart - Misa de la Coronación - Pinnock (1994)


Mozart - Misa de la Coronación  - Pinnock (1994)

 Wolfgang Amadeus Mozart....Misa de la Coronación Director: Trevor Pinnock.
Solista: Peter Hanson. .. The English Concert. 1994







Muchas gracias a todos.


Sibelius - Karelia Suite, Scenes Historiques ...2006


Sibelius - Karelia Suite, Scenes Historiques ...2006

Gothenburg Symphony Orchestra, Neeme Järvi 
 Label: Bis, ASIN: B000K2UF1W
Formato audio: mp3 + m3u , Bit Rate: 320 kbps (VBR..) 124 MB

CD


01] Karealia Suite, Op.11 - Intermezzo
02] Karealia Suite, Op.11 - Ballade
03] Karealia Suite, Op.11 - Alla Marcia
04] Scènes Historiques, Set I, Op.25 - All'overtura
05] Scènes Historiques, Set I, Op.25 - Scena
06] Scènes Historiques, Set I, Op.25 - Festivo
07] Athenares Sang, Op.31 No.3
08] Tulen Synty, Op.32
09] Vapautettu Kuningatar, Op.48
10] Rakastava, Op.14 - The Lover
11] Rakastava, Op.14 - The Path Of His Beloved
12] Rakastava, Op.14 - Good Evening!...Farewell!
13] Andante Festivo, Js 34B

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Johan Julius Christian Sibelius fue un compositor finlandés de música sinfónica del siglo XX. Nació el 8 de diciembre de 1865 en Hämeenlinna (Imperio ruso, actual Finlandia) y falleció el 20 de septiembre de 1957 en Järvenpää (Finlandia).
Considerado un excepcional artista en Finlandia, desempeñó una función determinante entre finales del siglo XIX y principios del XX en la creación de un estilo musical propio dentro del género. Sobre el valor de su obra, hay posiciones muy encontradas: mientras el crítico y teórico alemán Theodor Adorno le considera un compositor amateur y anticuado, el compositor húngaro Béla Bartók lo sitúa entre los grandes autores de su época.

Sibelius fue parte de la ola de compositores que aceptaron las normas de composición de fines del siglo XIX. Como muchos de sus contemporáneos, apreció a Wagner, pero sólo por un tiempo, y finalmente eligió un patrón musical diferente. Pensando que la ópera sería el centro de su carrera, Sibelius inició el estudio de las partituras wagnerianas, Tannhäuser, Lohengrin, y La Valquiria. Luego partió al festival de Bayreuth, donde escuchó Parsifal, que tuvo profundo efecto en su espíritu. Escribió a su esposa poco después: «Nada en el mundo me ha impresionado tanto. Ha movido las cuerdas más profundas de mi corazón».
Después de esta experiencia, Sibelius comenzó a trabajar en su ópera Veenen luominen. Sin embargo, su aprecio por Wagner disminuyó, y pronto rechazó la técnica del leitmotiv, aduciendo que era demasiado explícita y calculada. Dejada de lado la ópera, el material musical de la incompleta Veenen luominen, se convirtió posiblemente en la Suite Lemminkäinen (1893).
Otras influencias importantes fueron Ferruccio Busoni y Chaikovski. La de este último es particularmente evidente en la sinfonía coral Kullervo (de 1891), así como en su Primera sinfonía, y más tarde, en su Concierto para violín (de 1903).

Progresivamente se alejó de los condicionamientos formales de la sonata, y en lugar de temas de múltiple contraste, se enfocó en la idea de células continuas y fragmentos culminando en una gran presentación. En este aspecto, su obra puede ser vista como de desarrollo continuo, con permutaciones y derivaciones temáticas que conducen la obra hacia el final. La síntesis es tan completa que podría pensarse que comenzó componiendo el final y luego trabajó hacia atrás.
Sibelius intentó simplificar radicalmente la construcción interna de la música. Como a Antonín Dvořák, esto le llevó a buscar melodías con un identificable carácter nacional. Sin embargo, Sibelius realizó un acercamiento único y personal a las técnicas de desarrollo compositivo.
Hubo un punto importante en la carrera de Sibelius, en que rechazó las influencias tempranas, lo que le permitió libertad para componer con las melodías evolutivas y formas musicales orgánicas, que se convirtieron en la base de sus últimos trabajos.
Esto significó un abierto contraste con el estilo sinfónico de Mahler. Mientras que ambos apreciaban la economía de la variación, el estilo de Mahler fue mucho más divergente, con abruptos contrastes temáticos en lugar de mezclarlos lentamente para generar algo diferente. Sibelius cuenta sobre el particular una conversación con Mahler:
Dije que admiraba la severidad estilística de las sinfonías, y la lógica profunda que creaba una conexión entre todos los motivos. La opinión de Mahler fue justamente lo contrario: «No, una sinfonía debe ser un mundo, debe abarcar todo».
Sibelius-

Muchas gracias a todos.

KARL.

viernes, 13 de enero de 2012

Codex Calixtinus - Monodies and Polyphonies - Ensemble Venance Fortunat



Codex Calixtinus - Monodies and Polyphonies - Ensemble Venance Fortunat

CD

01 - Ultreia
02 - Kyrie cunctipotens genitor
03 - Regi perennis glorie
04 - Ad honorem regi summi
05 - Misit Herodes
06 - Kyrie rex immense
07 - Alleluia vocavit Jesus
08 - Portum in ultimo
09 - Adjutor
10 - Ad superni
11 - Nostra phalanx
12 - Vox nostra resonet
13 - Benedicamus domino I
14 - Benedicamus domino II
15 - Benedicamus domino III
16 - Congaudeant catholici

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El Codex Calixtinus o Códice Calixtino es un manuscrito iluminado de mediados del siglo XII. Constituye una especie de guía para los peregrinos que seguían el Camino de Santiago en su viaje a Santiago de Compostela, con consejos, descripciones de la ruta y de las obras de arte así como de las costumbres locales de las gentes que vivían a lo largo del Camino. También contiene sermones, milagros y textos litúrgicos relacionados con el Apóstol Santiago.
Este documento se conservaba en la Catedral de Santiago de Compostela, pero el 7 de julio de 2011 se notificó su desaparición de la caja fuerte donde estaba custodiado.
La compilación que conocemos como Liber Sancti Iacobi fue redactada en diversas épocas y de forma independiente y podría estar ya configurada hacia el año 1140.
El Codex Calixtinus fue copiado por al menos cuatro manos, dos de ellas muy similares. Al autor principal se le conoce con el nombre de Scriptor I.
El manuscrito original constaba de 27 cuadernos: el primero era un quinión y el resto eran cuaterniones. Ya en época antigua se produjeron cambios en algunos cuadernos que alteraron la estructura del códice. Después, hacia el siglo XV se perdió el folio 220, que originariamente iría en blanco y pertenecería al último cuaderno. También debió perderse un folio, así mismo en blanco, que antecedía al actual folio 1. De ser esto cierto, el manuscrito llevaba, como era usual, el primer y el último folio en blanco sirviendo como guardas.
Posteriormente, quizás durante la encuadernación realizada a finales del siglo XII, se añadió a la estructura primitiva del códice un segundo apéndice (Apéndice II).
El libro IV fue separado del manuscrito en 1609, lo que conllevó el maltrato de los cuadernos 20, 21 y 24. Ambos volúmenes fueron encuadernados por separado por Alonso Rodríguez León. Finalmente, el libro IV fue agregado de nuevo durante la restauración de 1966, lo que exigió varios arreglos al manuscrito. En la misma restauración se recortaron las hojas que eran más grandes y sobresalían del resto.
Las anotaciones marginales que los canónigos de Compostela dejaron en el manuscrito, demuestran que el códice fue usado y leído ininterrumpidamente, al menos, hasta mediados del siglo XVI. Sin embargo, parece que a principios del siglo XVII el manuscrito dejó de interesar, cayendo en el olvido durante muchos años.
En la segunda mitad del siglo XIX, el manuscrito fue redescubierto por el canónigo archivero de la Catedral de Compostela, Antonio López Ferreiro. Sin embargo, fue dado a conocer públicamente por el jesuita Fidel Fita y Aureliano Fernández Guerra. En 1879, se trasladaron a Santiago en un viaje de estudio y peregrinación. Al año siguiente, en 1880, publicaron un libro acerca de su viaje a Santiago (Recuerdos de un viaje a Santiago de Galicia), dedicando los capítulos X y posteriores a la descripción y estudio del Codex calixtinus. El libro incluía una fotografía del himno Dum Paterfamilias y una transcripción de su texto, así como varios versos del himno Ad honorem Regis summi.

El Codex Calixtinus consta de cinco libros y dos apéndices, con un total de 225 folios de pergamino escritos en las dos caras, con un tamaño de 295 x 214 mm. Salvo excepciones, el texto es siempre a una columna, con 34 líneas por página.

Tres partes del Calixtinus incluyen música:
El Libro I (de las liturgias). Como se ha indicado anteriormente, incluye la música de los oficios y las misas, así como un suplemento gregoriano. Una de las piezas es polifónica, el resto, monódicas.
El Apéndice I, que contiene 21 piezas polifónicas: 7 Benedicamus, 4 responsorios, 5 conductus, 2 Kyries, 1 Gradual, 1 prosa y 1 Aleluya.
El Apéndice II, con el himno Dum pater familias.

Las 22 obras polifónicas del Calixtinus pertenecen a la primera etapa de la polifonía europea, periodo conocido con el nombre de ars antiqua. Durante muchos años se relacionaron con las composiciones pertenecientes a la Escuela de San Marcial de Limoges. Sin embargo, las composiciones del Calixtinus son más elaboradas que en el repertorio de Saint Martial, considerándose hoy en día emparentadas con los experimentos que se estaban desarrollando en París, en la nueva Catedral Notre Dame, durante los años 1165-1180 y que culminarían poco después con las composiciones de la llamada Escuela de Notre Dame de París.
Todas las piezas son a dos voces, excepto el Congaudeant catholici que es a tres. Las formas musicales representadas son las típicas del ars antiqua:
el conductus: aparece principalmente en los tropos del Benedicamus Domino, de los kyries y de otras piezas litúrgicas como prosas, secuencias, etc. Los conducti de Benedicamus son los más numerosos. La voz principal es el tropo de la pieza polifónica, mientras que la voz organal es una melodía más o menos adornada en el registro agudo. Estos tropos polifónicos a veces tienen forma responsorial, incluyendo después de cada estrofa un breve estribillo, como ocurre con el Congaudeant catholici.
el organum: aparece en ciertas piezas litúrgicas como responsorios, graduales, aleluyas y Benedicamus. Generalmente consiste en una melodía gregoriana monódica (voz principal), a la que, en un momento dado, se añade una segunda voz (voz organal) que desarrolla una melodía larga y adornada. Esta segunda voz puede estar al principio, en medio o hacia el final de la composición, pero generalmente termina con la melodía monódica. Comparados con los organa de la Escuela de Notre Dame de París, que aparecerían poco después, son más sencillos y condensados, sin llegar a desfigurar la voz principal. La voz organal no es tan melismática como los organa de la escuela parisina.
Hay también algunas piezas, como el Kyrie Cunctipotens Genitor, cuya forma es intermedia entre el conductus y el organum: tienen un tropo como voz principal, como en un conductus, y la voz organal desarrolla largos melismas, como en un organum.
El Codex Calixtinus es el primer manuscrito (junto con el ms. Londres, British Library, Egerton 2615, procedente de Beauvais) en utilizar el término "conductus" para una composición musical. Además, exceptuando algunas composiciones que se encuentran en algunos monasterios catalanes, contiene las piezas polifónicas más antiguas que se han conservado en la península Ibérica.
El himno "Congaudeant catholici", que es la única obra conocida para 3 voces en todo el siglo XII, se cree que fue compuesto originalmente para 2 voces (superior e inferior) y posteriormente se insertó una tercera voz entre las dos. Esta hipótesis se basa en el hecho de que la voz intermedia fue copiada en tinta roja en vez de en tinta negra como en el resto del manuscrito y además se copió en el tetragrama de la voz inferior. El mismo copista que copió esta voz, también añadió una segunda voz en tinta roja a dos conductus del suplemento gregoriano del Libro I: "Iacobe sancte tuum" (f. 131) y "In hac die laudes cum gaudio" (f. 131v). La primera de estas dos piezas aparece repetida en el apéndice polifónico (f. 215v). Existen además, otras 7 composiciones en el Libro I a una sola voz que aparecen de nuevo en el apéndice polifónico a dos voces, aunque en varios casos la concordancia es solo parcial: "Dum esset salvator in monte" (f. 107v, 216v), "Huic Iacobo" (f. 109v, 217), "Iacobe virginei" (f. 110, 217), "O adiutor omnium seculorum" (f. 110v, 217-217v), "Misit Herodes" (f. 118v, 218) y "Alleluia. Vocavit Ihesus Iacobum" (f. 119, 218v), "Regi perennis glorie" (f. 139, 216).

El "Dum pater familias" es la única composición del códice en notación aquitana de puntos "in campo aperto", que es la notación que se empleó preferentemente en España tras la supresión del canto hispánico. El resto de las obras van en notación lorena, con grandes semejanzas con la notación de los manuscritos de la región de Nevers, en Borgoña. Por este motivo, algunos especialistas sostienen que la parte musical del códice es debida a los monjes benedictinos de Vézelay, que era uno de los puntos de partida del Camino de Santiago.6 El himno "Dum pater familias", añadido al final del códice, sería por tanto la única composición que podría haber sido copiada en el entorno de Santiago. Además el último de los Benedicamus del suplemento gregoriano del Libro I, "Regi perennis glorie", se le atribuye a cierto doctor de Galicia (Quodam Doctore Galleciano) no identificado.

En el encabezamiento de las composiciones del apéndice polifónico y de algunas de las piezas para una sola voz en el Libro I, aparece en tinta roja el supuesto autor de la misma. En general, estos supuestos autores son obispos y personajes célebres de París y otras iglesias, por lo que algunos investigadores creen que esta atribución no debe ser tenida en cuenta ya que figurarían con la intención de dar prestigio y autoridad a las obras. Sin embargo, otras investigaciones modernas sostienen que alguna de esas atribuciones, como la de Albertus Parisiensis, podrían ser verosímiles, debido a que las obras polifónicas se deberían a compositores ligados a la Catedral de Notre Dame de París.
En total son 16 los personajes a los que se atribuyen obras:
Ato episcopus Trecensis. Corresponde a Atón, obispo de Troyes, quien en 1145 se retiró a la Abadía de Cluny. Se le atribuyen 7 composiciones en el apéndice polifónico.
Magister Goslenus episcopus Suessionis. Maestro Goslenus, obispo de Soissons. Murió en 1152. Se le atribuyen 2 obras en el apéndice polifónico.
Magister Albericus archiepiscopus Bituricensis. Maestro Alberico (Aubry), Arzobispo de Bourges, en Berry. Murió en 1141. Se le atribuye 1 obra en el apéndice polifónico.
Fulbertus episcopus Karnotensis. Fulbertus, obispo de Chartres. Se le atribuye 1 obra en el apéndice polifónico y 6 obras monódicas en el Libro I.
Magister Albertus Parisiensis. Maestro Albert de Paris. Se trata de Albertus Stampensis (Etampes), canónigo de la Catedral de Notre Dame de París y cantor desde 1146 hasta su muerte en 1177. Se le atribuye 1 obra en el apéndice polifónico: la famosa composición "Congaudeant catholici".
Magister Airardus Viziliacensis. Maestro Airardus de Vézelay. Se le atribuye 1 obra en el apéndice polifónico.
Magister Gauterius de Castello Rainardi. Maestro Gauterius del Castillo de Rainardi. Se le atribuyen 3 obras en el apéndice polifónico.
Magister Iohannes Legalis. Maestro Johannes Legalis. Se le atribuye 1 obra en el apéndice polifónico.
Magister Droardus Trecensis. Maestro Droardus de Troyes. Se le atribuyen 2 obras en el apéndice polifónico.
Aimericus Picaudi, presbiter de Partiniaco. Aymeric Picaud, presbítero de Parthenay, en Poitou. Se le atribuye 1 obra en el apéndice polifónico.
Antiquo episcopo Boneventinus. Antiguo obispo de Benevento. Se le atribuye 1 obra en el apéndice polifónico y 1 obra monódica en el Libro I.
Guillelmo patriarcha Iherosolomitano. Se le atribuyen 3 obras monódicas en el Libro I.
Magistro Anselmo I. Se le atribuye 1 obra monódica en el Libro I.
Magistro Rotberto cardinali Romano. Se le atribuye 1 obra monódica en el Libro I.
Fortunato Pictavensi episcopo. Se le atribuye 1 obra monódica en el Libro I.
Quodam Doctore Galleciano. Cierto doctor de galicia. No identificado. Se le atribuye 1 obra monódica en el Libro I.

Desde la primeras transcripciones musicales a finales del siglo XIX, la transcripción de la polifonía del Calixtinus ha sido difícil y polémica. Ello es debido a que la polifonía está en notación lorena, que era la usada en el norte de Francia para el canto monódico gregoriano, por lo cuál no expresa ningún valor rítmico particular, sólo el ritmo libre del canto gregoriano. Pero por otra parte, la polifonía tenía que tener forzosamente un ritmo determinado que permitiera a las dos voces (3 en el Congaudeant catholici) cantar juntas de forma armónica.
La primera transcripción en notación musical moderna fue realizada, en 1882, por el cantor de las Monasterio de las Descalzas Reales (Madrid), José Flores Laguna, quién transcribió los himnos Dum Paterfamilias y Ad honorem Regis summi. En la fiesta de Santiago del 25 de julio del mismo año, se cantaron ambos himnos en la Catedral de Santiago, por primera vez desde los tiempos medievales. Ya esta primera transcripción provocó una intensa polémica qué duró más de 20 años, en cuanto a la línea melódica y sobre todo en cuanto al ritmo, en la que intervinieron entre otros, Francisco Asenjo Barbieri. Después, el monje benedictino de la Abadía de Solesmes, Joseph Pothier, hizo una nueva transcripción del Dum Paterfamilias, según el sistema rítmico de Solesmes, como era de esperar.
En 1924, el musicólogo Friedrich Ludwig realizó las primeras transcripciones de obras polifónicas del Calixtinus, transcribiendo varios organa en varios sistemas rítmicos. En 1931, Peter Wagner, profesor de la Universidad de Friburgo (Suiza), realiza la primera transcripción completa de todas las obras musicales del Calixtinus y en 1944, por encargo del Instituto de Estudios Gallegos, el monje benedictino del Monasterio de Silos, Germán Prado, realiza otra transcripción completa acompañándola de un facsímil con los folios del manuscrito que contienen música. Ambas transcripciones, la de Wagner y la de Prado se realizan siguiendo el sistema gregoriano de Solesmes, transcribiendo en notación cuadrada los neumas originales del códice, sin plantearse problemas rítmicos o interpretativos.
A partir de 1950, surgen numerosos estudios que proponen nuevos sistemas de transcripción, entre los que destacan los de Willi Apel, Walther Krüger, Johann Schubert, Bruno Stäblein, Theodore Karp, Heinrich Husmann, Paul Helmer, Hendrik van der Werf, etc. Entre los musicólogos españoles, destacan las trancripciones de la polifonía de Higinio Anglés, publicada en 1962 y de José López-Calo, en 1981.


 El Codex Calixtinus fue pensado para ser cantados en voz alta y es de gran interés para los musicólogos como uno de los primeros ejemplos de la polifonía.

Muchas gracias a todos.





Hildegard von Bingen und ihre Zeit - Live - Ensemble für frühe Musik Augsburg



Hildegard von Bingen und ihre Zeit - Live - Ensemble für frühe Musik Augsburg
Classical, Medieval .. FLAC, CUE, no LOG .. 325 Mb .. TT 69:03 | rs.com
Live recording - 1987
Sabine Lutzenberger, Sängerin, Blockflöte, Schalmei
Hans Ganser, Psalterium, Schlagwerk
Rainer Herpichböhm, Sänger 1, Chitarra saracenica, Harfe, Schlagwerk
Heinz Schwamm, Sänger, Fidel, Lira, Schalmei, Drehleier

CD

01 - Hildegard von Bingen - O magne Pater
Length: 2mn 59s

02 - Hildegard von Bingen - O aeterne Deus
Length: 2mn 12s

03 - Hildegard von Bingen - Ave generosa
Length: 4mn 23s

04 - Hildegard von Bingen - O frondens virga
Length: 5mn 12s

05 - Petrus Abaelardus - Planctus David
Length: 9mn 31s

06 - Hildegard von Bingen - O felix anima
Length: 3mn 42s

07 - Hildegard von Bingen - Ave, Maria, o auctrix vitae
Length: 4mn 17s

08 - Petrus Abaelardus - O quanta qualia
Length: 4mn 59s

09 - Anonimo - Promat chorus hodie
Length: 3mn 21s

10 - Anonimo - Verbum patris humanatur
Length: 1mn 37s

11 - Anonimo - Annus novus in gaudio
Length: 4mn 48s

12 - Magister Iohannes Legalis - Vox nostra resonet
Length: 2mn 15s

13 - Anonimo - Fulget dies celebris
Length: 2mn 8s

14 - Hildegard von Bingen - O quam mirabilis
Length: 5mn 36s

15 - Hildegard von Bingen - O virtus sapientiae
Length: 2mn 47s

16 - Hildegard von Bingen - O vis aeternitatis
Length: 6mn 0s

17 - Bis: La quinte estampie royal (instr.)
Length: 3mn 8s

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PART 1 / PART 2 / PART 3


Protestificatio de Scivias, Fol. 1, Facsímil de Eibingen del códice de Ruperstberg

Hildegarda de Bingen O.S.B. (Alemán: Hildegard von Bingen) (n. 16 de septiembre 1098 en Bermersheim, junto a Alzey en Rheinhessen, Renania-Palatinado, Alemania; † 17 de septiembre 1179 en el monasterio de Rupertsberg, Bingen, id.) fue abadesa, líder monástica, mística, profetisa, médica, compositora y escritora alemana. Es conocida como la Sibila del Rin y como Profetisa teutónica
Hildegarda compuso setenta y ocho obras musicales, agrupadas en Symphonia armonie celestium revelationum: 43 antífonas, 18 responsorios, 4 himnos, 7 secuencias, 2 sinfonías (con el significado propio del siglo XII), 1 aleluya, 1 kyrie, 1 pieza libre y 1 oratorio (fascinante, pues el oratorio se inventó en el siglo XVII). Además, compuso un auto sacramental musicalizado llamado Ordo Virtutum ("Orden de las virtudes", en latín), sobre las virtudes.





Muchas gracias a todos.

KARL