Violinkonzerte Nr.3&5; Anne-Sophie Mutter, Berliner Philh, Karajan

Violinkonzerte Nr.3&5; Anne-Sophie Mutter, Berliner Philh, Karajan MOZART
1999 Deutsche Grammophon GmbH, Hamburg (Original recording: 1978)
1 CD ADD.. MP3. Mediafire

CD:

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791)

Violin Concerto No.3 in G, K.216

1) 1. Allegro [10:45]

2) 2. Adagio [9:52]

3) 3. Rondo (Allegro) [6:41]

Violin Concerto No.5 in A, K.219

4) 1. Allegro aperto [10:44]

5) 2. Adagio [10:58]

6) 3. Rondeau (Tempo di minuetto) [9:24]

Anne-Sophie Mutter

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan

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Anne-Sophie Mutter nació en Rheinfelden en Baden. Ella inició su carrera internacional como solista en 1976 en el Festival de Lucerna y un año después hizo su debut en Salzburgo en los Conciertos de Pentecostés con Herbert von Karajan. Desde entonces ha sido la misma demanda como músico solista y de cámara, y ha dado conciertos en todos los centros musicales más importantes de Europa, Norteamérica y Asia. Desde su debut con Deutsche Grammophon, a la edad de 14 años, ha recibido innumerables premios por sus grabaciones.

La violinista también se comprometió a aliviar los problemas médicos y sociales de nuestro tiempo y ofrece conciertos regularmente beneficio para este fin. Ella ha recibido numerosos honores y distinciones importantes, incluyendo la Orden de la República de Alemania (primera clase), la Orden del Mérito de Baviera, la Medalla de Baden-Württemberg, de Mérito y la Cruz de Honor de Austria para la Ciencia y el Arte. En 2002 fue condecorada con la Orden de Maximiliano de Baviera para la Ciencia y el Arte y la Cultura de Munich Premio de Honor. En 2003, el Estado de Baviera Ministerio de Ciencia, Investigación y Arte otorgado en su "Pro Meritis Scientiae et Litterarum" distinción y en 2005 se realizó una "Officier de l'Ordre des Arts et des Lettres" por el ministro francés de Cultura.

Esta es la primera grabación y la liberación para Deutsche Grammophon: Mozart Violin Concertos Nos. 3 y 5 con Herbert von Karajan y la Filarmónica de Berlín.

El debut internacional de  Mutter, que sólo contaba 13 años, fue en Salzburgo, con Karajan, y la Filarmónica de Berlín, interpretando el Concierto nº 3 de Mozart. También esa obra sería su primer disco, junto con el Concierto nº5 y Karajan. Con el tiempo,  Mutter llegó a completar en EMI el ciclo de los conciertos: el 2º y 4º con Riccardo Muti y la Orquesta Philharmonia (1981), y el 1º y la Sinfonía Concertante con Sir Neville Marriner y la Academy of St Martin in de Fields (1991).

En 1980, hizo su debut en Estados Unidos con la Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por Zubin Mehta. En 1985, con 22 años de edad, fue nombrada miembro honorario de la Royal Academy of Music (Londres) y directora del programa de Estudios Internacionales de violín en la misma academia. En 1988, realizó una amplia gira por Canadá y Estados Unidos, tocando por primera vez en el Carnegie Hall de Nueva York. En 1998 tocó y grabó en CD y DVD la integral de las sonatas para violín de Ludwig van Beethoven, acompañada al piano por Lambert Orkis; las cuales fueron retransmitidas por televisión en distintos países.

Aunque su repertorio incluye muchas obras del período clásico y romántico, Anne-Sophie Mutter es especialmente reconocida por sus ejecuciones de música de compositores contemporáneos. Además, varias obras han sido especialmente escritas o dedicadas a ella, incluyendo piezas de Witold Lutoslawski, Krzysztof Penderecki y Wolfgang Rihm. Adicionalmente, Mutter ha recibido numerosos premios, incluyendo varios premios Grammy y también posee dos violines construidos por Antonio Stradivari: un Emiliani de 1703, y un Lord Dünn-Raven de 1710.

En 1989, Anne-Sophie Mutter se casó con el abogado Detlef Wunderlich, con quien tuvo dos hijos: Arabella y Richard. Wunderlich murió en 1995. En el año 2002, Mutter contrajo matrimonio por segunda ocasión con el pianista, compositor y director André Previn. La pareja se separó legalmente en el año 2006. Es considerada una de las más prestigiosas violinistas de la actualidad.

Anne-Sophie Mutter recibió en 2008 el Ernst von Siemens Music Prize, que se acompaña con una donación en efectivo de 200.000 euros. La violinista donó la mitad del dinero del premio a la Anne-Sophie Mutter Foundation, que se establece durante el curso del mismo año. El objetivo de la fundación es promover a escala mundial apoyo para músicos jóvenes promesas, una labor que la violinista ya tenía en cuenta desde el año 1997 cuando fundó The Anne-Sophie Mutter Circle of Friends Foundation.

Muchas gracias a todos.

KARL.

BBC Legends ... Horenstein: Beethoven – Missa Solemnis, Schubert – Symphony no.8, Wagner – A Faust Overture

BBC Legends BBCL 4150. Horenstein: Beethoven - Missa Solemnis, Schubert - Symphony no.8, Wagner - A Faust Overture (2 CD, APE)  Image+cue.. Discs: 2 , Label: BBC Legends..Size: 491 MB, hotfile


CD:


 Mass for soloists, chorus & orchestra in D major (“Missa Solemnis”), Op. 123
Composed by Ludwig van Beethoven
Performed by BBC Symphony Orchestra
with Richard Lewis, Teresa Stich-Randall, Norma Procter, Kim Borg
Conducted by Jascha Horenstein


 Symphony No. 8 in B minor (“Unfinished”), D. 759
Composed by Franz Schubert
Performed by BBC Symphony Orchestra
Conducted by Jascha Horenstein


 A Faust Overture, for orchestra in D minor, WWV 59
Composed by Richard Wagner
Performed by BBC Northern Symphony Orchestra
Conducted by Jascha Horenstein


DOWNLOAD:


CD 1
CD 2

Con el paso del tiempo, el legado de Jascha Horenstein (Kiev, 1898-Londres, 1973) nos lo revela como uno de los grandes directores de orquesta del siglo XX, de los más personales, de los mas intensos, de la especie de quienes entregan todo a la música pero sin que sus ideas se disuelvan en lo que hacen. Cada interpretación de Horenstein es un profundo ejercicio de reflexión en el que se ponen en juego el concepto y la técnica. Nada se traiciona, empezando por la partitura y terminando por el oyente, precisamente porque todo se revela a partir de la lectura íntima de las notas. Ello se revela plenamente en esta enérgica pero clarísima Missa Solemnis de Beethoven grabada en Londres el 23 de febrero de 1961 con un excelso equipo de solistas: la demasiado a menudo olvidada Teresa Stich-Randall, la -por el contrario- inolvidable Norma Procter, el valiente Richard Lewis y el poderoso Kim Borg, todos obedientes a la idea del gran maestro. Es un Beethoven lanzado, desde su final, hacia el mismo futuro que alientan la Novena Sinfonía o sus últimos cuartetos. Y una Missa Solemnis que complementa con excelencia las otras dos ofrecidas antes por el sello BBC Legends, a cargo de Arturo Toscanini (BBCL 4016-2) y Carlo Maria Giulini (BBCL 4093-2), la primera -1939- anterior a la suya y la segunda -1968- posterior.

Las otras dos piezas que recoge este álbum corresponden a sus últimos años. Se trata de dos obras que estimaba muy especialmente: una soberbia Inacabada de Schubert -15 de septiembre de 1971 en el Royal Albert Hall londinense- y una radiante Obertura "Fausto" de Wagner, del 23 de abril de 1972, ésta con su muy querida BBC Northern, que sería una de las orquestas con las que más trabajó en aquellos tiempos. Extraordinarias versiones ambas que confirman la grandeza de un director impar.

*** Extr: de Diverdi y prensa.. Artic..  Pablo Batallan.

Jascha Horenstein

Muchas gracias a todos.

KARL.

Karajan: Bruckner Symphonies...

Karajan: Bruckner Symphonies (9 CD box set, FLAC)
Anton Bruckner...Herbert von Karajan..  Orchestra: Berliner Philharmoniker, Format: FLAC (image+cue)..Label: Deutsche Grammophon.. Size: 2.39 GB.. hotfile



CD1
Symphonie Nr.1
1. I. Allegro
2. II. Adagio
3. III. Scherzo. Schnell
4. IV. Finale. Bewegt, feurig


Symphonie Nr.5
5. I. Introduction. Adagio – Allegro


CD2
Symphonie Nr.5
1. II. Adagio. Sehr langsam
2. III. Scherzo. Molto vivace (schnell)
3. IV. Finale. Adagio


CD3
Symphonie Nr.3
1. I. Mehr langsam, Misterioso
2. II. Adagio, bewegt, quasi Andante
3. III. Ziemlich schnell
4. IV. Allegro


CD4
Symphonie Nr.2
1. I. Moderato
2. II. Andante
3. III. Scherzo. Maessig schnell
4. IV. Finale. Mehr schnell
Symphonie Nr.8
5. I. Allegro moderato


CD5
Symphonie Nr.8
1. II. Scherzo. Allegro moderato – Trio. Langsam
2. III. Adagio. Feierlich langsam, doch nicht schleppend
3. IV. Finale. Feierlich, nicht schnell


CD6
Symphonie Nr.4 ‘Romantische’
1. I. Bewegt, nicht zu schnell
2. II. Andante quasi Allegretto
3. III. Scherzo. Bewegt – Trio. Nicht zu schnell. Keinesfalls schleppend – Scherzo
4. IV. Finale. Bewegt, doch nicht zu schnell


CD7
Symphonie Nr.6
1. I. Majestoso
2. II. Adagio. Sehr feierlich
3. III. Scherzo. Nicht schnell – Trio. Langsam
4. IV. Finale. Bewegt, doch nicht zu schnell


CD8
Symphonie Nr.7
1. I. Allegro moderato
2. II. Adagio. Sehr feierlich und sehr langsam
3. III. Scherzo. Sehr schnell
4. IV. Finale. Bewegt, doch nicht schnell


CD9
Symphonie Nr.9
1. I. Feierlich, misterioso
2. II. Scherzo. Bewegt lebhaft
3. III. Adagio. Langsam, feierlich

El marcado sentido de Karajan Bruckner se encuentra en marcado contraste con Eugen Jochum  mientras que el segundo es flexible tempo-sabio y suena espontáneo , Karajan se centra más en el mantenimiento de ritmos constantes y preservar un sentido de la totalidad sinfónica. Jochum es de enfoque más romántico, que obviamente, a las obras de Bruckner--- pero sin embargo...  lo hace que atrae  un calor humano a parte de la música, podría ser  que las fluctuaciones de su ritmo a veces excesivo pueda perder el sentido de la plenitud sinfónica que Karajan es capaz de llevar a los mismos.... Y, si bien hay quienes (a veces con razón) amonestan a Karajan por su atención obsesiva a la belleza del sonido, la Dirección General en  las actuaciones Bruckner desde luego no falta en los momentos de la energía y la emoción. El rendimiento de la Sinfonía de Bruckner La Septima es hermosa , Os la recomiendo oir.


Por lo tanto, algunas reflexiones sobre las actuaciones individuales: 


N º 1: Un rendimiento energético e intenso de una obra relativamente temprana (tenía unos 40 años cuando lo escribió). Tal vez podría utilizar una ligereza con poco más de tacto (el Finale suena más bien con sobrepeso), pero una actuación imponente, sin embargo, con un movimiento lento lírica. 


N º 2: Otra buena actuación de una obra sinfónica muy subestimado. Karajan trata del segundo movimiento Andante como Adagio, y hace que suene un poco auto-indulgente y Draggy en puntos, pero el resto es secundario en tanto lírica y angustiado por turnos. El final, sobre todo, es ardiente y dramático, incluso a un ritmo bastante constante. (Lástima de la bajó repite Scherzo, sin embargo.) 


N º 3: La revisión de 1889 de la Sinfonía  de Bruckner..( Tercera  ) no es la mejor de las tres versiones existentes de la obra (original de Bruckner 1873 La puntuación es probablemente el mejor en general, con la versión de 1877 un compromiso útil entre el original salvaje... y 1889 la contundente ), pero Karajan y la Filarmónica de Berlín sacan el mejor partido de ella. De hecho, lo hacen más que eso. Esta es una interpretación electrizante de principio a fin, jugó con el poder por el BPO (especialmente aquellos gloriosos trompetas). material ardiente! 


N º 4: Por su parte, esta nueva versión 1976 es básicamente la Dirección General  --- Me gusta su impulso impulsado, dramática, de acuerdo a una de las "más ligera" obras sinfónicas de bruckner . Pero más amplio de Karajan 1970 grabación de EMI con la misma orquesta es mucho más memorable, y con un sonido un poco mejor también. 


N º 5: 3/4s de una gran actuación. El Adagio es bastante mueve a un ritmo muy lento, la Final culmina en un final coral que es tan impresionante que suena como cualquier otra prestación que se debe tener en cuenta. Tengo mis dudas acerca de la lectura de Karajan del primer movimiento, aunque, como magníficamente como el BPO se juega, todavía parece un poco demasiado lento y monolíticos para su propio bien (es prácticamente un ritmo muy moderado, que no es lo que Bruckner indica en la puntuación). Una actuación notable, sin embargo, con el juego de grandes orquestas en todas partes. 


N º 6: El fallo de encendido uno de los conjuntos. Karajan sigue mostrando un apretón estructural en la sinfonía, pero el juego BPO simplemente en sonidos no se involucra  en algunas partes. El movimiento lento es una decepción en particular, el juego es tan suave que parece simple de movimiento lento y no trascendente.

N º 7: Un espectáculo hermoso, con un movimiento lento todo lo sublime. Su grabación de 1989 con la Filarmónica de Viena tiene mejor sonido grabado, sin embargo. 


N º 8: Se trata de sinfonía favorita de Karajan entre los nueve, y su grabación de 1988 de esta obra con la Filarmónica de Viena sigue siendo uno de los mejores. La grabación de la Dirección General de 1976, que forma parte de esta serie no se queda atrás ya sea: es más rápido en general , y tiene una gran autoridad. (Dicho esto, tocar en una orquesta de la VPO es --- especialmente la reproducción de bronce --- supera a la BPO en los puntos.) 


N º 9: El ciclo culmina en un espectáculo digno de lo que podría haber mayor sinfonía de Bruckner, si no hubiera muerto antes de terminar la Final. El Adagio aquí no se puede ser tan "final" como otras interpretaciones que hacen
Al final, yo no recomendaría el  comprar esta serie de sinfonías de Bruckner a los amantes del compositor, ya que Bruckner Nueve cubre una amplia gama de ambientes musicales que, inevitablemente, algunos conductores  responden a algunas sinfonías mejor que otros. Aún así, en definitiva, este conjunto Karajan es bueno si usted está buscando para comprar todas las sinfonías de Bruckner en una compra. Como todo un ciclo, este es uno de los conjuntos más consistentemente excelente en todo, y servirá como una excelente introducción al mundo de la música de Anton Bruckner, una de las figuras más conmovedoras de la historia de la música.  En este sentido si lo recomiendo..

Anton Bruckner
(Ansfelden, Austria, 1824-Viena, 1896) Compositor y organista austriaco. Nacido en el seno de una familia de maestros de escuela, parecía destinado a seguir la misma profesión, a la que se dedicó entre 1841 y 1855, compaginándola con la función de organista. Su habilidad como intérprete le valió en 1856 el nombramiento de maestro de órgano de la catedral de Linz. En esta ciudad descubrió la música de Beethoven y Wagner, que le reveló un universo expresivo insospechado. Su Sinfonía n.º 1 (1866) fue el fruto de esta revelación. A partir de ella, Bruckner fue forjando un estilo definido y personal, después de unas primeras composiciones influidas por la anticuada tradición clásica en la que se había educado. Ocho nuevas sinfonías, la última inacabada, siguieron a ésta. Incomprendidas en su tiempo, expresan el amor a la naturaleza y la profunda fe del compositor, al tiempo que constituyen una original síntesis entre la más atrevida armonía romántica y la tradición contrapuntística más severa. Su obra ejerció una gran influencia sobre Gustav Mahler


Muchas gracias a todos.


KARL

Georg Philipp Telemann - Sonatas for Two Flutes, Op. 2

Georg Philipp Telemann - Sonatas for Two Flutes, Op. 2 (Reup) (2004)
Classical | EAC Rip | FLAC, CUE, LOG | 1 CD | Complete Artwork | 325 Mb |
CD:
Sonata II, in G
Sonata I, in D
Sonata VI, in E
Sonata III, in A
Sonata IV, in e
Sonata V, in b
Performers: Lorenzo Brondetta, Ruth Unger (Flutes)

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PART. 1  /  PART. 2 /  PART. 3 /  PART. 4

Georg Philipp Telemann (marzo 14, 1681-junio 25, 1767) fue un compositor alemán de música barroca y multi-instrumentista, nacido en Magdeburg. Autodidacta en la música, estudió Derecho en la Universidad de Leipzig. A menudo descrito como el compositor más prolífico de la historia (al menos en términos de la obra de sobrevivientes), fue un contemporáneo de Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi y un amigo de toda la vida de George Frideric Handel. Mientras que en el día de hoy Bach es generalmente considerado como el mayor compositor, Telemann fue más ampliamente conocido por sus habilidades musicales durante su vida.

Georg Philipp Telemann (Magdeburgo, Alemania, 14/03/1.681 – Hamburgo, Alemania, 25/06/1.767), celebrado en vida como uno de los grandes compositores alemanes e impulsor, junto con Mattheson y Keiser, de la brillante escuela musical formada en Hamburgo durante el siglo XVIII, contribuyó notablemente al desarrollo de la flauta dulce mediante la composición de sonatas para este instrumento. La mayor parte de ellas, con el soporte armónico proporcionado por el bajo continuo (clavecín, clavicémbalo); otras, a solo. También compuso seis sonatas para dos flautas dulces contralto (1.727), al menos siete “duettos” y otro cuaderno de “seis sonatas en canon” de gran belleza fechado en 1.738.

Telemann dedicó esfuerzos notables en la composición de conciertos: cinco conciertos dobles para flauta dulce y diferentes combinaciones (fagot, viola de gamba, flauta travesera), de los que sobresalen dos para dos flautas dulces tenor y el concierto para flauta dulce, flauta travesera, cuerdas y bajo continuo en Mi menor, cuyo movimiento rápido final (presto) refleja las influencias y los resultados de los viajes de Telemann a Polonia. La estructura de estos conciertos sigue el esquema de la época, en cuatro movimientos alternos (lento – rápido – lento – rápido). Así mismo, numerosas sonatas en trío para flauta dulce y travesera (son muy notables las correspondientes a la serie “Essercizii Musici”), así como varios cuartetos y las doce Fantasías para flauta travesera a solo integran la producción telemanniana para flauta.

*** Extr en p. de artic.. de Pablo Rasanz M. Filomusica, Revista M. y referencias de discogafias sobre flauta.

Muchas gracias a todos.

KARL.

Antonio Vivaldi-XII Suonate un solo Violino, e Basso per il Cembalo "Manchester Sonatas"

Antonio Vivaldi -XII Suonate A Violino solo, e Basso per il Cembalo "Manchester Sonatas" 
Classical | EAC | 2 CD | FLAC, CUE, LOG | Scans | 912 MB
Fabio Biondi (Violin) | Released: 2009 | Label: Arcana


CD:
Sonata for violin & continuo in C major ("Manchester Sonata" No. 1), RV 3 
Sonata for violin & continuo in G minor ("Manchester Sonata" No. 3), RV 757 
Sonata for violin & continuo in A major ("Manchester Sonata" No. 6), RV 758 
Sonata for violin & continuo in D minor ("Manchester Sonata" No. 2), RV 12 
Sonata for violin & continuo in G major ("Manchester Sonata" No. 8), RV 22 
Sonata for violin & continuo in B minor ("Manchester Sonata" No. 10), RV 760 
Sonata for violin & continuo in D major ("Manchester Sonata" No. 4), RV 755 
Sonata for violin & continuo in E minor ("Manchester Sonata" No. 9), RV 17a 
Sonata for violin & continuo in E flat major ("Manchester Sonata" No. 11), RV 756 
Sonata for violin & continuo in C minor ("Manchester Sonata" No. 7, "a Pisendel" No. 2), R6
Sonata for violin & continuo in C major ("Manchester Sonata" No. 12), RV 754 
Sonata for violin & continuo in B flat major ("Manchester Sonata" No. 5), RV 759


Fabio Biondi (Violin)
Maurizio Naddeo (Cello)
Rinaldo Alessandrini (Harpsichord)
Rolf Lislevand (Theorbo)


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Descubierto por Michael Talbot en 1973, las 12 sonatas del manuscrito de Manchester son considerados como el punto culminante de la música de cámara del compositor. Se llevan a cabo aquí por Fabio Biondi, uno de los artistas intérpretes o ejecutantes Vivaldi con más autoridad.
Aunque fue escrita hace casi 300 años, de Vivaldi Manchester Sonatas 'sólo recientemente redescubierta - por el mismo Michael Talbot, como es el caso, que suministra las notas de este disco Arcana. En estas notas, dice modestamente, "el escritor de estas líneas tropezó con las sonatas por accidente, en 1973, mientras que  estaba en busca de algo muy diferente." En otros lugares, sin embargo, es más expansiva. "Pronto se hizo evidente", dice en las Actas de la Real Asociación Musical ", que las sonatas constituyen un importante descubrimiento: seis fueron únicas en el manuscrito de Manchester (descontando los movimientos individuales que se encuentran en otros lugares), y otros dos se conocían sólo de fuentes incompletas ... ' Sería mucho más fácil hoy en día, con búsquedas en la computadora y grabaciones abundantes, para darse cuenta de que una pieza de Vivaldi no se conoce en otros lugares. Tomó a alguien con un conocimiento enciclopédico de Talbot, no obstante, que este descubrimiento en ese entonces. Él no se considera la mayor autoridad del mundo en Vivaldi sin una buena razón. 


Pero ¿qué pasa con la calidad musical de estas sonatas? Y lo de la calidad de la actuación de Fabio Biondi y otros? Aunque no es nada revolucionario acerca de ellos (todos ellos son ejemplos de la forma de cuatro movimientos combinación de dos movimientos de la danza con dos más lento), las sonatas son melódicas e inventiva como para justificar la escuchas frecuentes. Ciertamente, sus encantos crecen con cada nueva audiencia. 


En cuanto a la interpretación Biondi... su color y su carisma mantiene el interés del oyente en obras que, después de todo, contienen una alta proporción de material repetido. Esto es en parte porque se deja un montón de licencia artística. De hecho, era un requisito barroco solistas  ofrecer con sus propios adornos decorativos de líneas sencillas y melódicas. Pero parte de la variación Biondi se deriva del hecho de que su estilo natural depende de contraste. Las barras muy apertura de la Sonata n º 1 en C ilustran bien. Su entrada es dulce, suave, pero de forma brusca seguida de staccato doble parada. De hecho, la grabación del 2CD todo está lleno de contraste, para evitar la fatiga de escucha sin duda. La orden de ejecución original es modificado de manera que se alternan con grandes tonalidades menores. El continuo clavecín alterna con cámara de órgano, con tiorba y guitarra barroca . 


Es el acompañamiento que ofrece el verdadero tema de conversación, así como gran parte del cambio. La página del título especifica un clavecín para acompañar el solo de violín. Talbot señala que "clavicémbalo" podría interpretarse en un sentido más amplio, genérico, pero no hay duda de que en un principio estas sonatas habrían sido interpretadas por violín y clavecín solo - incluso en el hogar tan pródigo y musical como el del Cardenal Ottoboni (para quien el colección de manuscritos se hizo, y donde Corelli  pasó los últimos años de su vida). No hay duda, también, que los cinco instrumentistas de esta grabación, a diferencia de los dos se concibió originalmente de Vivaldi o las tres de la grabación de Andrew Manze en la etiqueta Romanesca, crea una textura gruesa musical que a menudo se asemeja más a el concierto de cámara de la sonata . Con cello y contrabajo-reforzando cuerdas pulsadas y el teclado, la parte continuo también puede sonar  pesado bajo. Sea o no este sonido a su gusto  es probablemente de mayor importancia que si es auténtico o no. No lo es. Pero la mayoría de nosotros parecemos apreciar una mayor inyección de sonidos bajos en estos tiempos. Una grabación muy bien, por lo tanto, y un rival digno de Andrew Manze, incluso si, como la suya..... (Biondi data de 1991, Manze desde 1993.) 


Muchas gracias a todos.


KARL.

Antonio Lolli... Sonatas for Violin and Basso Continuo..

Antonio Lolli (1725 - 1802) - Sonatas for Violin and Basso Continuo 
Classical | EAC | 1 CD | FLAC, CUE, LOG | Artworks | 480 MB
Luca Fanfoni (Violin) | Released: 2010 


CD:

Sonata in G major for 2 violins & basso continuo, Op. 9/2
Sonata in A major for violin & basso continuo, Op. 3/6
Sonata in A major for violin & basso continuo, Op. 1/4
Sonata in C minor for violin & basso continuo, Op. 5/2
Sonata in D major for violin & basso continuo, Op. 3/4
Sonata in G major for violin & basso continuo, Op. 3/5


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Todavía sabemos poco acerca de los detalles biográficos del violinista y compositor Antonio Lolli, uno de los virtuosos itinerantes más extraordinarios del siglo XVIII. Activo desde 1758 en la corte de Stuttgart, Lolli se hizo famoso a través de sus giras de conciertos en Europa, cuya excesiva frecuencia condujo a su expulsión del tribunal alemán en 1774. En 1785 actuó en Londres, a continuación, se trasladó a Viena, Nápoles y en 1796 finalmente se estableció en Palermo, donde murió en la pobreza que se jugó la mayor parte de la fortuna que había acumulado a través de su actividad como solista.
Lolli, nacido ca. 1725 en Bérgamo , Italia , fue uno de los violinistas italianos más importantes del siglo 18. Entre 1758 y 1774 fue violinista en solitario en el Stuttgart orquesta de la corte, una posición que le permitió realizar extensas giras de conciertos de Viena , París , Alemania, Países Bajos e Italia. Zarina Catalina II de Rusia lo invitó a una posición en San Petersburgo . Durante ese tiempo, Lolli viajó a Varsovia y de gira por Alemania y Escandinavia. En 1794, se convirtió en director principal de Nápoles .
**** Destacar que su año de nacimiento es incierto o bastante disputado.


El umbral es la pieza de una habitación guardada por una sugestiva penumbra. De ahí su nombre. Sirve para entrar, salir o, sin más, detenerse. Antonio Lolli (1725-1802), violinista bergamasco, ha sabido tomar las tres actitudes. Luca Fanfoni, que ya nos ofreció sus conciertos en un delicioso intrumento de época, ahora explora el rico mundillo de sus sonatas. Lolli, acojinado en la tradición violinística italiana, más concretamente en la escuela ligur, tuvo en cuenta a Nardini, Tartini, Locatelli y, último pero no menor, al pelirrojo Vivaldi. A la vez, se sometió a las exigencias de la forma sonata.


Hasta allí, el aire de familia. Luego está lo que propone su personalidad, porque todo cabe en la estructura sonatística: aristocráticas entregas al aria cortesana de largo aliento melódico, sobre todo en los movimientos reposados; estrofas cantarinas de la canción popular; ritmos bailables como el ineludible minué y la provocativa polonesa ; variaciones de una ciencia escritural realmente suprema; acompañamientos que recurren a un segundo arco, al clave y hasta a la guitarra (¿hay que citar a Boccherini por enésima vez?). Lo más parecido a la “música de umbral” es la alternancia de un comedimiento galante con un arresto sentimental que anuncia al romanticismo (¿hace falta citar al subsiguiente Paganini por enésima vez?)
Lolli, un hombre de la Ilustración, que paseó su virtuosístico predicamento por tierras italianas, rusas y alemanas, supo, entonces, incrustar con delicadeza y elegancia las sugestiones populares en el gracioso empaque del salón palaciego. Exploró este espacio a conciencia y señaló el camino venidero. Entró por el umbral en el cuarto contiguo. Su escritura violinística es amplia, densa y, a la vez, cristalina. Fanfoni lo sabe cabalmente. Cabe escucharlo en el salón, el jardín o la terraza. La música no se prohibe ningún lugar: los crea a todos.
*** Extr de reseña Diverdi y Prensa, 

LUCA FANFONI VIOLINISTA

Muchas gracias a todos.


 KARL.

Rimsky-Korsakov - Scheherazade, Tschaikowsky - Capriccio Italien, Ouverture "1812", Karajan, BPO

Rimsky-Korsakov - Scheherazade, Tschaikowsky - Capriccio Italien, Ouverture "1812", Karajan, BPO  MP3 HQ · 134 MB


CD:
01 - Scheherazade - Largo e maestoso
02 - Scheherazade - Lento
03 - Scheherazade - Andantino quasi allegretto
04 - Scheherazade - Allegro molto
05 - Capriccio italien
06 - 1812 Overture
Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908)
Scheherazade op.35
Symphonic Suite


Peter Tschaikowsky (1840-1893)
Capriccio italien op. 45
Ouverture solennelle 1812 op.49


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Nikolái Rimski-Korsakov


(Nikolái Andréievich Rimski-Korsakov; Tichvin, 1844 - Lyubensk, 1908) Compositor y director de orquesta ruso. Entre 1856 y 1862 estudió en la Escuela de Marina de San Petersburgo, a la vez que se formaba musicalmente. En 1859 comenzó a estudiar piano con F. A. Canille, quien le animó a componer y le presentó a Balakirev y Cui. Junto con estos dos, además de con Borodin y Mussorgsky, formaba el grupo de innovadores de los Cinco.


En 1871, cuando aún era oficial de la marina, fue nombrado profesor en el Conservatorio de San Petersburgo, función que ejerció hasta su muerte. Los acontecimientos políticos de 1905 provocaron que fuese suspendido provisionalmente como profesor al haberse opuesto a las medidas disciplinarias tomadas contra los estudiantes del Conservatorio. Abandonó el servicio en la marina en 1873, siendo entonces designado inspector de las orquestas militares de la tropa, puesto que mantuvo hasta 1884. Se dedicó entonces plenamente a la música.


Fue director de orquesta en los conciertos de la Escuela gratuita de música (1874-1881) y subdirector de la Capilla Imperial de 1883 a 1893. A partir de 1886 dirigió también los conciertos sinfónicos rusos creados por Beliaiev. Desde principios de la década de los 90 hasta los primeros años del siglo XX presenta un período de gran creatividad, dedicado principalmente a la ópera.


Rimski-Korsakov fue el miembro mejor preparado desde el punto de vista técnico del grupo de los Cinco, aunque, como en los casos de sus compañeros Balakirev, Borodin, Cui y Musorgski, su dedicación a la música no fuera en sus inicios profesional. Como los demás músicos de su generación, buscaba plasmar en sus óperas un carácter más auténticamente ruso en los temas y la música que sus predecesores. Parte de personajes de la poesía popular, de viejos cuentos, de ritos eslavos, de temas legendarios fantásticos y del romanticismo de Oriente y trata la ópera con gran variedad de estilos y riqueza musical. Pero también se ocupa de temas en los que la tendencia política se manifiesta claramente, como en El gallo de oro (1906-1907).


Maestro de la orquestación, ocupa un lugar destacado en la música sinfónica de finales del siglo XIX, llegando su influencia hasta Debussy y Ravel. En sus composiciones utiliza tanto modos antiguos de la iglesia como modos poco frecuentes con intervalos aumentados y disminuidos. Escribió, entre otras muchas piezas, tres Sinfonías (1865-1884); Sinfonietta sobre temas rusos (1884), Capricho español (1887) y Sheherezade (1888). Finalizó y reinstrumentó algunas obras de Mussorgski (La Khovantchina y Boris Gudonov, entre otras), de Borodin (El príncipe Igor), de Dargomijsky (El Convidado de piedra) y preparó numerosas partituras de Glinka para su edición. Entre sus óperas se encuentran títulos como Mlada (1889-1890); Noche de Navidad (1894-1895); Sadko (1895-1896) y Leyenda de la ciudad invisible de Kitej y de la virgen Fevronia (1903-1905).
*** Extr: de Biografías y Vídas.

En un instante se sentirán atraídos por esta presentación atractiva de las grabaciones de Karajan (1967) del collage musical Scheherazade, una de las obras más espectaculares y sensuales RK. También incluye una de sus interpretaciones Capriccio Italien, que es una muestra del virtuosismo de las cuerdas. 


Sin embargo, el álbum está viciado en muchos aspectos. Karajan y BPO son siempre convincentes, pero me siento bastante satisfecho con esta pieza. A menudo  se siente como la orquesta, grabando los productores y conductores por igual fueron de mal humor y no ponen los últimos toques de refinamiento que suelen caracterizar el repertorio de Karajan. En la grabación, hay baches de acústica y los sonidos de la orquesta de movimiento son intolerables en algunas ocasiones. El silbido está presente también. Si preferimosun sonido limpio y nítido de una pieza muy exótica, los hay muchos mejores 


En general, este es un pobre sustituto de otros competidores fuertes como la colaboración Mehta con la Filarmónica de Los Ángeles. Allí, el solista no es tan convincente como Michel Schwalbe, tal vez la joya principal de la presente grabación. Pero Mehta pone sellos a la orquesta de pasajes  mucho más violenta y al mismo tiempo suaves. Aquí, hay momentos torpes y el trabajo en general se desprende más bien tenso y abrasivo. No es uno de los logros más fino de Karajan. 


Tampoco es la Obertura 1812. Es un "apoyo" por el don de Chor Kosaken ... no producen ninguna de las encantadores y tonos suaves típicos de los enfoques de otros conductores de este trabajo (especialmente la de Jarvi). Las campanas de la gran conclusión también suenan más como platillos o algún sustituto electrónico en lugar de un tono glorioso bullicioso de una campana de la iglesia, por ejemplo. Tampoco es convincente el cañón, suena más como un timbal. Más bien artificial y carente de sustancia en general. 


En general, sí me parece oir este disco solo por el violín  Michel Schwalbe en el Scheherazade solista. Es intensamente bella y una "joya en bruto" de esta grabación. De lo contrario, para oir las otras piezas hay alternativas más convincentes en el mercado, en particular la colaboración Mehta.. y otros que seguro que vamos a ponerlos.. con objeto de que tambien podamos comparar las piezas... hacer nuestras propias críticas.. 
Si les gusta opinen y es lo que realmente hace un blog... no ver las descargas y las entradas.. siempre valorando por supuesto las visitas que todos los días hacen ustedes a este espacio.. la calidad es poder opinar y hacer nuestro propio espacio donde tú me compartas y yo te comparta... Ese es el verdadero fin... todo llegará poco a poco...


El ballet “Scheherazade” está basado en el cuento sobre Shakhriar y su hermano, de “Las Mil y Una Noches”.
El Sultán Shakhriar  está en su harén con su joven hermano Shahezman. El Sultán ama profundamente a su favorita Zobeida, pero su hermano quiere hacerle comprender que todas las mujeres, incluso Zobeida, son infieles.
Para comprobar su lealtad, los dos hombres anuncian que se van para asistir a una cacería. Nada más marcharse, las mujeres sobornan al jefe de los eunucos para que abra las puertas del harén a los esclavos: el esclavo de oro se convertirá en el personaje central de una desenfadada orgía.
El Sultán aparece de improviso y ordena a sus guardias que ejecuten a todos los presentes, con excepción de Zobeida. El está dispuesto a perdonarla, pero su hermano le recuerda su deslealtad. Zobeida arrebata a un guardia su daga y se da muerte a los pies del Sultán.

Michel Schwalbe un gran Violinista

Muchas gracias a todos.


KARL.

Tchaikovsky · Symphonies · Russian National Orchestra .... Pletnev

Russian National Orchestra, Mikhail Pletnev

Tchaikovsky -  classical 

CD:

Russian National Orchestra\r
Conductor: Mikhail Pletnev

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PART 1 / PART 2 / PART 3

Russian National Orchestra

Orquesta Nacional Rusa

Desde su debut en Moscú, en 1990, la Orquesta Nacional Rusa ha sido solicitada por todo el mundo de la música. Sobre el debut de la orquesta en los BBC Proms de Londres (1996), el Evening Standard escribió: «Tocaron con tal cautivadora belleza que el público dejó escapar un suspiro involuntario de placer». En 2004, fueron descritos como «el símbolo viviente del mejor arte ruso» (Miami Herald) y «con un grado de perfección tal que no se les puede pedir más» (Trinity Mirror).

Además de ser la primera orquesta rusa en actuar en el Vaticano y en Israel, la ONR mantiene un calendario activo de giras internacionales por Europa, Asia y América. La orquesta es invitada frecuente en los festivales más importantes y desde 1999 ha dado un programa de conciertos anuales en Estados Unidos. Conocidos para los oyentes radiofónicos en todo el mundo, los conciertos de la ONR se emiten habitualmente por la Radio Pública Nacional en Estados Unidos y por la Unión europea de radiodifusión.

Gramophone calificó el primer CD de la ONR (1991) como «una experiencia imponente, ¿deberían ser capaces los seres humanos de tocar así?», calificándolo como la mejor grabación de la Pathétique de Tchaikovsky de la historia. Desde entonces, la orquesta ha realizado más de 50 grabaciones para Deutsche Grammophon y PentaTone Classics, con directores que incluyen el fundador y director artístico de la ONR Mikhail Pletnev, Vladimir Jurowski, Mstislav Rostropovich, Kent Nagano, Alexander Vedernikov y Paavo Berglund.

Única entre los principales conjuntos rusos, la ONR es independiente del gobierno y ha creado su propia estructura que rompe moldes. La política artística está diseñada y conducida por el Colegio de directores de orquesta de la ONR, un grupo de directores de renombre mundial que comparten el liderazgo al frente de la orquesta. Otra innovación de la ONR es Aliados Culturales, un programa continuado que realiza intercambios entre artistas rusos y occidentales y encarga nuevas obras.

La Orquesta Nacional Rusa está financiada por fondos privados y se rige por un distinguido Consejo multinacional de fiduciarios. Entre las organizaciones afiliadas se incluyen, entre otras, la Russian National Orchestra Trust-UK (Fundación británica de la Orquesta Nacional Rusa), la Russian Arts Foundation (Fundación de arte ruso) y el Consejo americano de la ONR.

Muchas gracias a todos.

KARL.

Anne-Sophie Mutter.... TCHAIKOVSKY / KORNGOLD Violin Concertos

Tchaikovsky | Korngold · Violin Concertos
Piotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)..Erich Wolfgang Korngold (1897-1957), Wiener Philharmoniker,London Symphony Orchestra
2004 Deutsche Grammophon GmbH, Hamburg...MP3 HQ · 96 MB


CD:

Peter Ilyich Tchaikovsky (1840 - 1893)
Violin Concerto in D, Op.35
1) 1. Allegro moderato [18:26]
2) 2. Canzonetta: Andante - attacca: [6:58]
3) 3. Finale (Allegro vivacissimo) [9:30]
Anne-Sophie Mutter
Wiener Philharmoniker




Erich Wolfgang Korngold (1897 - 1957)
Violin Concerto in D major, Op.35
4) 1. Moderato nobile [8:40]
5) 2. Romance: Andante [7:58]
6) 3. Finale: Allegro assai vivace [7:08]
Anne-Sophie Mutter
London Symphony Orchestra
André Previn

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Desde hace unos años a esta parte, Anne-Sophie Mutter ha decidido volver a grabar lo que ya había grabado antes, a finales de los años 70 y durante los 80 del pasado siglo, junto con su mentor, Herbert von Karajan. Primero tocó repetir el concierto de Brahms, luego el de Beethoven, y ahora le ha llegado el turno al de Tchaikovsky. Es de agradecer que la violinista alemana se tome el detalle de que en todas estas repeticiones incluya obras que no había grabado antes, como por ejemplo la Fantasía Op.131 de Schumann o las Romanzas para violín de Beethoven. Ahora le toca el turno al Concierto de Korngold... pero vayamos por partes.

La antigua grabación de la Mutter del Concierto en Re mayor Op 35 de Tchaikovsky, también para la Deutsche Grammophon, data del verano de 1987 en el Festival de Salzburgo, junto con la Filarmónica de Viena, y Herbert von Karajan. Esta fue la última colaboración discográfica que hicieran alumna y maestro juntos. En aquella grabación la "voz cantante" la imponía un octogenario Karajan, que escogía un ritmo lento, distanciado y poético de la partitura, con ausencia total de esa negrura característica en esta obra de Tchaikovsky. La Mutter se entregaba a este cometido como una componente más. A muchos les parecerá esta antigua versión algo almibarada, y no les faltará razón, ya que en ciertos pasajes, como el inicio del primer movimiento o en la Canzonetta, hay grandes cantidades de blandura, tanto por el director como por la solista; algunos también se decepcionarán porque no hay atisbo de nada que lo haga sonar a ruso, todo es extremadamente romántico. La Mutter extraía un sonido rico, perfectamente afinado, sinuoso y con gran flexibilidad, pero se veía "constreñida" a las directrices del maestro, llegando lo mejor, claro está, en la "cadenza" del primer movimiento donde ella llega a explayarse a gusto. No era aquella una versión como primera opción, ni siquiera estaría entre las más punteras de una discografía de este concierto, pero sí es una versión a conocer, por original, aunque para muchos sea relamida. Pero ya se sabe, sobre gustos...

En la nueva versión de este concierto, la "voz cantante" la lleva la Mutter, como no podía ser menos, y a ella la vuelven a acompañar otra vez los filarmónicos vieneses y su marido, que es ahora quien lleva la batuta. También esta es una grabación en vivo. Pues bien, aquí la Mutter se puede decir que hace lo que le da la gana, ya no hay nadie que se lo impida, giros por todos lados, exageración a la hora de abordar los reguladores, cambios de "tempi", abuso de los portamentos, medias voces, donde tendrían que ir voces plenas, legatos interminables, etc. Y volvemos a lo de siempre que nos toca comentar un disco de esta sra. ¿es esto bueno, o es malo? Si nos vamos a la ortodoxia, se le tildaría de degenerada, ya que esto ni suena a ruso, ni suena a Tchaikovsky, suena a Mutter. Si nos vamos a la heterodoxia, ella sería una reina, ya que "pretende" romper con todos los cánones técnicos, ya que en cuanto a forma, véase sentido romántico, "rubato"... sigue estando todo en su sitio. 

El acompañamiento de Previn, no es el colmo de la exquisitez, ni mucho menos, pero es el único, pese a algún que otro exceso de volumen, que se cree que esto sí es Tchaikovsky. No consigue desgranar las melodías como Karajan, pero sí les da ese sonido de "raza"... que no suele ser mucho, teniendo enfrente a la Filarmónica de Viena, ya que ellos siempre se empeñan en sonar "a Viena", con todo lo que eso quiere decir. En definitiva, interpretación curiosa, como la anterior con Karajan, donde la Mutter nos da un recital de todas sus virtudes (o defectos), que no agradará a todos, pero es lo que pasa siempre que esta mujer coge el violín.

La segunda pieza en el disco, es nueva para la Mutter, en Concierto en Re mayor, Op 35 de Korngold (misma tonalidad y mismo número de opus que el de Tchaikovsky), pero no es tan nueva para Previn, que es para muchos un gran traductor de este compositor (otros tantos no lo ven así) y que ya ha llevado este concierto, contando esta interpretación, tres veces al disco. La primera de ellas fue junto a Itzhak Perlman y la Sinfónica de Pittsburg, en 1980 para EMI: es esta una versión descafeinada por parte del violinista, que siempre parece que esté tocando lo mismo y de igual modo, así que lo mismo puede sonar a Beethoven, a Glazunov o a Korngold, y con una dirección de Previn atenta, pero quizás algo "rústica".

La siguiente aproximación fue con Gil Shaham, a finales de los 90, y con la Sinfónica de Londres: es esta, para mí, la mejor versión en disco de este concierto, tanto por la exquisitez del violín, que aquí sí suena a Korngold, con esos guiños a las bandas sonoras y a la música de Mahler, como por la dirección de Previn, quien exprime al máximo los recursos de esta partitura, con un gran colorido orquestal, y cierto toque sofisticado que no le quedan nada mal.

Y ahora, claro, llega la nueva versión, y con su mujer al violín. Pues bien, la Mutter se toma muy a pecho este nuevo riesgo, y consigue resultados positivos, pero sin igualar a la anterior versión citada. Ella consigue extraer esa "alma alemana" de Korngold, con un sonido muy centroeuropeo, no suena nada a el Korngold americano, salvo por parte de la orquesta, quizás pretenda hacer trascendente este concierto, equiparándolo con Mendelssohn o Schumann, pero que pierde ese toque de frescura o de ingenuidad, a la par que también pierde ese aire sofisticado, "de película" que sí conseguía Shaham, por ejemplo. Lo mejor es, sin duda, el Andante, donde ella exprime al máximo ese aire "decadente" de esta música. La dirección de Previn, otra vez con la Sinfónica de Londres, es muy buena, qué duda cabe, pero no llega a igualarse con su anterior registro. Interpretación digna. (1****)

Erich Wolfgang Korngold

**** Extr: Rubén Florez Bande, artíc. en la revista FILOMUSICA . Y referencias de: TCHAIKOVSKY: Concierto para violín y orquesta, en Re mayor, Op. 35 

KORNGOLD: Concierto para violín y orquesta, en Re mayor, Op. 35

Muchas gracias a todos.

KARL.